Publication – Pierre Prétou, « L’invention de la piraterie en France au Moyen Âge »

À la fin du Moyen Âge, après des siècles d’abandon du lexique maritime antique, les mots d’une nouvelle accusation pénale – le crime de piraterie des Latins – réapparaissent dans les archives. Peu à peu, le lexique médiéval des « larrons de mer » se retire des rivages, tandis que s’avance le pirate : au seuil de la modernité, la France réinvente son criminel en mer. Cette mécanique fut avant tout atlantique et royale : une invention, ou découverte, de la piraterie, telle une relique sainte du passé romain qui serait remontée à la surface avant d’être exploitée par les Valois pour ses vertus pénales. Cette épiphanie médiévale du pirate français est remarquable en ce qu’elle scrute l’obéissance des gens de mer, ainsi mis en sujétion par une inflexion profonde de la doctrine pénale. Le royaume de France, devenu au XVe siècle une puissance maritime, livre ainsi un nouveau récit des navigations, dans lequel pirates et rois se combattent, pour mieux transformer le statut de ses frontières atlantiques.

Pierre Prétou est professeur d’histoire du Moyen Âge à La Rochelle Université. Spécialiste de l’histoire de la justice dans les espaces atlantiques, il est membre de l’UMR LIENSs, (Littoral, Environnement et Sociétés, CNRS, UMR 7266). Il a également codirigé (avec D. Roland) Fureur et cruauté des capitaines en mer (PUR, 2012).

Table des matières :

Introduction

CHAPITRE 1. LES VIOLENCES MEDIEVALES EN MER
I. L’extinction des récits pirates
II. Le règlement des conflits maritimes
III. L’Amirauté contre le crime
 

CHAPITRE 2. LA FABRIQUE DU MALEFICE MARITIME
I. Les mers diaboliques
II. Le lexique criminel
III. Le retour du pirate antique
 

CHAPITRE 3. LE ROYAUME CONTRE LES PIRATES

I. La piraterie en Parlement
II. Les pirates dans les Jugements de la mer
III. Les traités internationaux et les pirates

Conclusion
Pièces justificatives/Table des figures/Sources et bibliographie

Informations pratiques :

Pierre Prétou, L’invention de la piraterie en France au Moyen Âge, Paris, PUF, 2021. 228 p., 15 x 22 cm. ISBN : 978-2-13-082900-3. Prix : 23 euros.

Source : PUF

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Appel à contribution – Greek Islands under the Control of Western Rulers, 13th-15th Cent.: Searching for Their Identity through Their Patronage

Deadline : 30th June 2021

After the Fall of Constantinople in 1204 to the armies of the Fourth Crusade and the signing of the treaty of Partitio Terrarum Imperii Romaniae, the majority of the Greek islands (in the Aegean, the Ionian Sea and Crete) gradually passed under the control of the Latins, initiating a new era of conflict and coexistence between the local populations, the new rulers and the settlers.

The Venetians, the Genoese, the Hospitallers et al., within this cultural environment, funded the construction, the decoration, or the renovation of secular and religious  buildings, as well as the production of artefacts. These initiatives constitute the irrefutable evidence of their presence in the Greek islands. Documents, inscriptions, coats of arms, donor portraits and other visual material can provide us with crucial information about the identities of the commissioners and their role within the local communities, and thus help us fill in some of the missing pages of the history of each island or complexes of islands.

With the financial support of the Society for the Medieval Mediterranean, through the Simon Barton Postgraduate & ECR Conference Prize, the Organizing and Scientific Committees would like to invite you to the virtual conference Greek Islands under the Control of Western Rulers (13th-15th cent.): Searching for their Identity through their Patronage, which will take place on 3 and 4 December 2021 via Zoom.

The conference aims to promote research on Latin patronage and how this reflects the status of the patrons in the Greek islands under western rule (13th-15th c.) and the interrelationship between the Byzantines and the Latins. Papers are expected to focus on the investigation of the various aspects of the patronage and what these initiatives can tell us about the process of the production of architecture and art (physical materials of the monuments and the objects, aesthetic taste of the commissioners, etc.), their profile (financial and social status, education), their social position within the local communities, their relations with the central or the local administration and the ways they used patronage to promote their status. Broader issues, such as the integration of the two cultures and their parallel development, devotional practices and beliefs, the social and political fermentations created by this coexistence, et al. are expected to be examined as well.

Postgraduate students and early career researchers from various disciplines (history, archaeology, history of art, epigraphy and palaeography) are particularly encouraged to participate. Emphasis will be given to interdisciplinary approaches.

Presentations will be given in Greek or in English. Please send your title and an abstract (about 300 words), written in Greek or in English, to latinpatronageconference@gmail.com, no later than the 30th of June 2021. Paper proposals should also contain the full name of the participant, affiliation, e-mail address, phone number and 5 keywords that best represent the content of your paper. Notifications of acceptance and relevant information will be sent via e-mail by July 2021.

The complete announcement is available from academia.edu

Source : Medieval Art Research

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Appel à contribution – Périphéries. 146e Congrès du CTHS

Aubervilliers
Mercredi 4 au samedi 7 mai 2022

Président scientifique: M. Pierre ZEMBRI, Professeur des universités à l’École d’urbanisme de Paris, directeur du Laboratoire ville, mobilité, transport (LVMT), École nationale des Ponts et chaussées (ENPC)

Membre de la section « Sciences géographiques et environnement » du CTHS,
de l’Association des géographes français, du Comité national de géographie et de l’Association d’histoire du chemin de fer

Télécharger :
• l'appel à communication intégral • la fiche d’inscription (intervenant)

Le congrès se tiendra au Campus Condorcet – Cité des Humanités et des Sciences sociales, Centre des colloques, place du Front populaire, 93322 Aubervilliers.
La date limite pour proposer une communication est le 30 septembre 2021.

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Colloque – 8th International Conference on the Science of Computus in Late Antiquity and the Middle Ages

Since 2006, the Moore Institute of the National University of Ireland in Galway has hosted, under the direction of Dáibhí Ó Cróinín, a biannual conference on the science of computus in the Middle Ages. Computus – the mathematics required to calculate the date of Easter, and related topics – straddles the fields of mathematics and astronomy, biblical interpretation and cosmology, empirical astronomical observation, and the perennial quest to understand the concepts of time and time-reckoning.

The core period covered by the Galway Conference stretches from the beginnings of Easter calculations in the third century to the introduction of Arabic and Greek science in the Latin West in the 12th century, but papers on the reckoning of time and its cultural context in the later Middle Ages have also always been welcome. Each conference has had a special theme (e.g., the formation of computus in Late Antiquity; the rise of prognostications in the early Middle Ages; the revolution of computus in the 11th and 12th centuries; computus in the Carolingian Age; computus and the vernacular; etc.).

The upcoming conference will start on 17 June with a special panel addressing the following fundamental conceptual question: What is early medieval Latin science?

We are very happy to confirm that the following scholars have accepted to present in this panel: Faith Wallis (Montreal), John J. Contreni (Purdue), Philipp Nothaft (Dublin), James T. Palmer (St. Andrews).

18 June and 19 June will be devoted to thematic sessions covering topics of computistical interest from Late Antiquity to the Early Modern Period. The conference will end on 19 June with a show-case of three websites recently developed as part of the following three projects:

IFCE – The Irish Foundation of Carolingian Europe: the case of calendrical science (funded by the Irish Research Council Laureate Programme)
IRCABRITT – Ireland and Carolingian Brittany: Texts and Transmission (funded by the Irish Research Council Laureate Programme)
Innovating Knowledge – Isidore’s Etymologiae in the Carolingian Period (funded by the Nederlandse Wetenschapelijke Organisatie)

Registration:
This conference will be held digitally through zoom. A link will be sent to all registered participants a day in advance, for each conference day. Please register here:
https://forms.gle/1CCaed7K1UhCsv5g8

If you have any questions, do not hesitate to contact us at: computusgalway@gmail.com

Programme : here

Informations pratiques :

Veranstalter IRCABRITT (National University of Ireland, Galway), IFCE (Trinity College Dublin) (Moore Institute (National University of Ireland, Galway))
Moore Institute (National University of Ireland, Galway)
Held digitally through Zoom
17.06.2021 – 19.06.2021

Source : H-Soz-Kult

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Formation – Artisans et ateliers dans l’Italie antique et médiévale

5e atelier d’initiation à la recherche (master) de l’École française de Rome
Date limite de candidature : 29 octobre 2021, 12h (heure de Rome)

la cinquième année consécutive, les membres de l’École française de Rome proposent une semaine d’initiation à la recherche consacrée à la question des artisans et des ateliers dans l’Italie antique et médiévale. L’atelier, initialement prévu au premier semestre 2021, a dû être reporté en raison des conditions sanitaires défavorables. Des conférences méthodologiques, des ateliers pratiques et des visites permettront d’aborder cette thématique. La formation aura lieu à Rome, du 24 au 28 janvier 2022 et est ouverte aux étudiantes et étudiants de master 1 et master 2 de diverses disciplines (histoire, histoire de l’art, archéologie et sciences sociales), inscrits dans une université française, dont les recherches s’intéressent de près ou de loin aux productions artisanales antiques et médiévales.

L’Italie, par sa richesse patrimoniale sans égale, a toujours constitué un terrain d’analyse d’exception pour l’étude des productions artisanales. Les nombreux peuples et cultures qui l’ont occupée depuis la plus haute Antiquité ont été des producteurs d’excellences manufacturières répandues dans toute la Méditerranée, mais ils ont été aussi le centre vers lequel ont convergé nombre d’objets, d’œuvres, de matières premières et d’artisans, d’abord pour les échanges commerciaux et culturels, ensuite pour l’importance qu’ont prise la péninsule et sa capitale comme cœur de l’empire romain puis de la Chrétienté.

Lorsque l’on s’intéresse à la culture matérielle et aux productions artistiques du passé, la question des artisans et des ateliers constitue un champ de recherches fécond et d’autant plus complexe. Cela est particulièrement le cas pour l’Antiquité et le Moyen Âge, où la notion moderne d’« artiste » est difficilement applicable aux individus, souvent anonymes, à l’origine des biens manufacturés qui nous sont parvenus. Ces artisans ont laissé de précieux témoignages de leur savoir-faire, tant technique qu’artistique : il est possible de reconstruire leurs gestes, de retracer les traditions culturelles dans lesquelles ils s’intègrent, de suivre leurs déplacements d’une aire géographique à l’autre ou bien de définir leurs identités personnelles ou collectives. À la notion d’artisan, est intrinsèquement liée celle d’atelier, c’est-à-dire un regroupement d’individus qui travaillent ensemble, de manière plus ou moins organisée, formant une communauté de métiers sans doute polyvalents qui fonctionne en tant qu’officine spécialisée par la maîtrise d’une technè spécifique et par leur clientèle. Identifier ces ateliers peut être aisé en cas de marques de fabrique (signatures, estampilles, étalons monétaires etc.) ; dans le cas de productions bien identifiables de l’Italie antique et médiévale, c’est surtout l’organisation même du ou des ateliers, de la création à la commercialisation des objets, qui interroge. La tâche est encore plus ardue pour certains types d’arts décoratifs, comme la peinture murale, où il n’est pas toujours possible d’identifier un peintre ou un atelier mais où l’on peut retrouver des carnets de motifs, des recettes de pigments ou des procédés qui informent sur une technique ou un répertoire communs à plusieurs contextes.

Ainsi, aborder la question des artisans et des ateliers signifie comprendre comment un objet ou une œuvre ont été réalisés, mais également par qui, pour qui, dans quel but et dans quel contexte – social, culturel, artistique et socio-économique, de sorte que notre artisan devient le représentant de son milieu socio-culturel d’appartenance.

Cette formation sera donc envisagée selon une double dimension alliant histoire des techniques et des savoir-faire et prendra en compte différentes thématiques traitant de diverses réalités et périodes. On s’intéressera d’abord aux transmissions et acquisitions des pratiques et des savoirs professionnels des gens de métiers en Italie et, de manière plus générale, dans le bassin méditerranéen. Seront également traitées, à une large échelle chronologique, les questions relatives à la diversité des conditions et aux hiérarchisation sociales des artisans, ainsi que l’évolution des spécialisations et des transactions commerciales des ateliers. En resituant les jalons et les débats historiographiques tant en archéologie des techniques qu’en histoire économique, le programme de formation traitera de plusieurs problématiques complémentaires : techniques d’exécution, centres de production, échanges, circulations et mobilités des matériaux, des savoir-faire et des personnes. Dans une perspective transdisciplinaire et diachronique, différents domaines de la production artisanale antique et médiévale seront abordés, comme la céramique, la peinture, la sculpture, l’orfèvrerie et la métallurgie, la numismatique, la construction ou encore le textile et la production de livres manuscrits.

L’objectif de ces cinq journées est d’offrir aux étudiantes et étudiants la possibilité de se familiariser et de réfléchir ensemble à ces questionnements historiques et méthodologiques, en abordant de manière interactive et multidisciplinaire différents contextes de production artisanale de l’Italie antique et médiévale, à travers une série de conférences assurées par les membres et anciens membres de l’EFR, d’ateliers pratiques d’archéologie expérimentale et d’excursions dans les institutions patrimoniales, musées et sites archéologiques de la capitale italienne.

Admissions

Les dossiers de candidatures seront transmis par les responsables de master. Ils comporteront : un CV, un relevé des notes obtenues en L3 ou M1, une lettre de motivation évoquant les projets futurs de l’étudiante ou de l’étudiant, ainsi qu’une lettre de présentation rédigée par le directeur ou la directrice de mémoire.

Les dossiers, sous forme d’un seul document PDF, devront parvenir avant le 29 octobre 2021 à midi à l’adresse suivante : atelier.master@efrome.it. La sélection effectuée par le comité de coordination de l’EFR sera communiquée au plus tard le 17 novembre 2021.

La commission d’évaluation n’attend pas de profil académique particulier ; les dossiers seront évalués avant tout en fonction du bénéfice que les candidates et candidats pourront retirer de la formation.

Après examen des dossiers, les étudiantes et les étudiants retenus seront logés à l’École française de Rome, place Navone, et leurs déjeuners seront pris en charge. En revanche, le déplacement vers Rome et les dîners sont à la charge des participants ou de leur université. Dans le cas où ni l’étudiante ou l’étudiant, ni l’université de rattachement ne seraient en mesure d’assurer ce financement, la candidate ou le candidat peut demander une aide à l’École française de Rome, sur présentation d’une attestation de non-prise en charge par l’établissement d’origine.

Évaluation

Un rapport de stage (environ 8 pages) devra être remis aux formatrices et aux formateurs, comprenant un compte rendu des activités assorti d’une réflexion plus approfondie sur une catégorie de sources découverte durant le stage, au choix. Ce rapport pourra faire l’objet d’une validation en fonction des modalités prévues par les universités de rattachement des étudiantes et des étudiants (stage, exercice au sein d’un séminaire, etc.).

Pour toute question, contacter : Christian Mazet et Paolo Tomassini (atelier.master(at)efrome.it)

Source : École française de Rome

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Publication – Roland Betancourt, « Performing the Gospels in Byzantium. Sight, Sound, and Space in the Divine Liturgy »

Tracing the Gospel text from script to illustration to recitation, this study looks at how illuminated manuscripts operated within ritual and architecture. Focusing on a group of richly illuminated lectionaries from the late eleventh century, the book articulates how the process of textual recitation produced marginalia and miniatures that reflected and subverted the manner in which the Gospel was read and simultaneously imagined by readers and listeners alike. This unique approach to manuscript illumination points to images that slowly unfolded in the mind of its listeners as they imagined the text being recited, as meaning carefully changed and built as the text proceeded. By examining this process within specific acoustic architectural spaces and the sonic conditions of medieval chant, the volume brings together the concerns of sound studies, liturgical studies, and art history to demonstrate how images, texts, and recitations played with the environment of the Middle Byzantine church.

Roland Betancourt is Professor of Art History at the University of California, Irvine, where he has been awarded the distinction of Chancellor’s Fellow from 2019-2022. Previously, he was the Elizabeth and J. Richardson Dilworth Fellow at the Institute for Advanced Study in Princeton. His published books include Sight, Touch, and Imagination in Byzantium (Cambridge, 2018) and Byzantine Intersectionality: Sexuality, Gender, and Race in the Middle Ages (2020). His ongoing work focuses on Byzantine temporality and simulacral spaces, past and present.

Table des matières :

Introduction
Part I. The Lectionary: Image and Text:

  1. Beginnings and Initials: Text, Image, and Sound
  2. Miniatures and Marginalia: A Visual Grammar and Syntax
  3. Faltering Images: Iconography between Reading, Error, and Confusion

    Part II. The Liturgy: Sound and Architecture:
  4. The Reading of the Lectionary: Recitation, Inspiration, and Embodiment
  5. The Sound of the Lectionary: Chant, Architecture, and Salvation
  6. Polyvalent Images: Iconography between Image, Space, and Sound
    Epilogue.

Informations pratiques :

Roland Betancourt, Performing the Gospels in Byzantium. Sight, Sound, and Space in the Divine Liturgy, Cambridge, Cambridge University Press, 2021. 25 x 18 cm. ISBN : 9781108491396. GBP 99,99.

Source : Cambridge University Press

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Publication – Nicolas Balzamo, « Les êtres artificiels. Essai sur le culte des images en Occident, XIVe-XVIe siècle »

Le christianisme occidental a fait le choix des images. Suivant l’exemple de l’Église grecque, il a commencé par autoriser la représentation des êtres célestes – Dieu, le Christ, la Vierge, les saints – avant de valider le principe de leur culte en postulant que la vénération du fidèle ne s’adresse pas à l’image en tant que telle mais uniquement à ce qu’elle représente. La pratique n’était cependant pas toujours conforme à la théorie. La fin du Moyen Âge a vu ainsi se multiplier statues et tableaux qui n’étaient pas considérés comme des représentations interchangeables mais faisaient l’objet d’un culte préférentiel que matérialisait un pèlerinage. Comment cette situation pouvait-elle se concilier avec les principes théologiques en vigueur ? Pardelà le problème des images et de leur culte, ce livre pose la question du rapport entre théorie et pratique au sein d’un système religieux.

Maître-assistant à l’université de Neuchâtel (Suisse), Nicolas Balzamo travaille sur l’histoire religieuse de la fin du Moyen Âge et de la première modernité. Il a notamment publié Les deux cathédrales. Mythe et histoire à Chartres et Les miracles dans la France du XVIe siècle.

Informations pratiques :

Nicolas Balzamo, Les êtres artificiels. Essai sur le culte des images en Occident, XIVe-XVIe siècle, Paris, Éditions du Cerf, 2021. 236 p., 15 x 23 cm. ISBN : 9782204135900. Prix : 29 euros.

Source : Éditions du Cerf

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Appel à contribution – « Raconter. Perspective actualité en histoire de l’art »

Dans son numéro 2022 – 2, la revue Perspective souhaite poser la question des relations entre narration, art et histoire de l’art. Qu’il s’agisse des récits sur lesquels se fondent les images et les objets d’art, de ceux que (se) constituent ses regardeurs, ou des «mises en récits» opérées par les historiens et les historiennes de l’art, ce numéro entend s’emparer de l’acte de raconter comme d’un outil heuristique aussi fécond que déstabilisant. L’image et l’objet d’art racontent, même en l’absence de contenu diégétique figuré, ne serait-ce qu’en tant que témoins d’une époque ou de pratiques – ne serait-ce qu’en tant que vecteurs de narrativité. Les récits visuels ainsi déployés ne cessent de générer d’autres récits – fictions ou légendes, articles scientifiques ou divagations rêveuses; dialogues d’œuvres entre elles ou soliloques des regardeurs. Récits de l’histoire de l’art, également, tant les historiens et les historiennes de l’art ne cessent de raconter ce processus tout en le constituant de manière performative, dans ses multiples emboîtements et ses allers-retours, évoluant dans ces zones mouvantes entre fait et fiction, expression et narration, description, analyse et projection.

L’appartenance de la terminologie du récit au champ des études littéraires invite par ailleurs d’emblée à questionner la relation entre une narrativité en images et ses éventuelles sources écrites. Figurer une histoire en images revient-il à imiter la narration textuelle, ou à en reproduire pour l’œil l’exacte dramaturgie? Quels sont les potentiels d’une narrativité visuelle par rapport à ceux du langage verbal? Ce que la figuration doit à sa source a appelé de multiples réponses de la part de la recherche en histoire de l’art, postulant parfois une forme de primauté de l’écrit sur le visuel. La notion de pensée figurative (Pierre Francastel, La figure et le lieu: l’ordre visuel du Quattrocento, Paris, Gallimard, 1967) permet aussi de distinguer deux domaines de valeur conceptuelle égale, où chaque médium de narration recèle sa propre logique. L’approche de cette dialectique reliant l’image narrative à son environnement culturel peut enfin admettre de multiples interactions et reformulations, passant notamment par l’oralité et un dialogue entre l’imaginaire collectif, l’imaginaire individuel et la culture visuelle (Hans Belting, Pour une anthropologie des images, Paris, Gallimard, 2004). Sur le plan des méthodes, l’émergence, dans les années 1970, de la narratologie dans le champ de la théorie littéraire (Gérard Genette, Figures III, Paris, Éditions du Seuil, 1972) a fourni un ensemble d’outils conceptuels renouvelant l’étude des mécanismes internes du récit littéraire, distinguant histoire, récit et narration. On pourra s’interroger sur la réception, ou non, de cette approche par les cadres théoriques mobilisés en histoire de l’art pour analyser ce que l’œuvre et l’image recèlent de narratif. On pourra également se pencher sur les liens entre études visuelles, linguistiques et sémiotiques.

Le récit figuré en appelle à une multitude de modalités plastiques permettant la mise en forme et en espace d’une narration par l’image fixe, filmique ou numérique, l’architecture, la mode ou l’objet d’art. Monument, robe, tableau, sculpture, film, livre, interface numérique ou objet d’art: à chaque fois est engagée l’adéquation du récit en images avec son support, ses dimensions, son volume, façonnant son efficacité visuelle et sa réception, condensant ou dilatant le récit. Les mises en images des récits sont également pour le visuel autant de façons de modeler et de raconter leur temps. Il s’agira ainsi d’envisager toutes les dimensions, les spécificités et les potentialités narratives des objets et des œuvres d’art, et d’interroger la (ou les) manière(s) dont la narrativité du visuel s’ancre dans un processus de légitimation et d’autonomisation au long cours.

Mais si l’image et l’objet d’art racontent, les historiens et les historiennes de l’art ne cessent, à leur tour, et de façon dialogique, de raconter cette relation protéiforme – constituant elle-même un récit dans le récit. Enracinée dans les travaux de Giorgio Vasari et de Karel vanMander, qu’elle considère comme ses modernes fondateurs, l’histoire de l’art est, depuis l’Antiquité, fondée sur un exercice narratif, de l’ekphrasis aux grands récits de l’autonomie moderniste, en passant par l’anecdote ou la légende biographique. La manière dont les historiens et les historiennes de l’art ont façonné leur discipline, s’extrayant d’une pratique littéraire, volontiers mythique, pour embrasser, forger et discuter peu à peu des méthodes « scientifiques », témoigne d’un rapport complexe au récit, à la narration – à la fiction en quelque sorte. Certains développements récents de l’historiographie se sont penchés sur cette question des liaisons entre l’écriture de l’histoire et celle de la fiction: Mark Ledbury, dans l’ouvrage collectif Fictions of Art History (Williamstown, Mass., Sterling and Francine Clark Art Institute / Yale University Press, 2013), Ivan Jablonka avec L’histoire est une littérature contemporaine. Manifeste pour les sciences sociales (Paris, Éditions du Seuil, 2014) ou, plus récemment, Myriam Métayer et Adriana Sotropa en dirigeant Le récit de l’histoire de l’art. Mots et rhétoriques d’une discipline (LeKremlin-Bicêtre, Éditions Esthétique du divers, 2017) ont, par exemple, ouvert des pistes fécondes. Peut-on écrire l’histoire sans raconter d’histoires? Que l’on se place du côté des images et des objets d’art, ou bien de celui des regardeurs, peut-on – doit-on – s’extraire de tout processus narratif? Peut-on communiquer sans (se) raconter ? Si tel n’est pas le cas, quelles conséquences épistémologiques pourrait-on en tirer concernant la façon dont nous envisageons notre pratique – notre écriture – de l’histoire de l’art? À l’heure des «faits alternatifs» et du storytelling, et alors que la question de la relativité des récits constitue tout à la fois un risque considérable et une chance, poser les questions de la mise en récit, de la façon dont l’art et l’histoire de l’art (se) racontent, implique finalement d’interroger à nouveau les téléologies – ce qui possède, donne ou crée du sens.

Là où apparaît une image, qu’elle soit figurative, aniconique, matérielle ou mentale, surgit une histoire et une manière d’en agencer le récit. Mais l’absence de figuration signifie-t-elle pour autant l’absence de récit? Car, de la même façon, là où s’exprime un désir de raconter surgit de l’image, qu’elle soit matérielle ou mentale, figurative ou aniconique. Que l’image et la mise en récit marchent main dans la main, nul ne le contestera : l’antériorité de l’une sur l’autre, en revanche, est à jamais objet de débats, de même que les phénomènes de relais ou d’enchâssement dont elles semblent procéder, du paragone au discours moderniste ne cessant de raconter la fin des œuvres qui racontent. Ces séries d’oppositions et ces phénomènes complexes de transmission pourront être abordés sous différents angles, pourvu que la réflexion soit toujours ancrée dans une perspective historiographique – des processus de narration à l’œuvre dans la création et la réception en art, des origines à nos jours, des expressions symboliques paléolithiques au cinéma. En ce sens, les études de cas ciblées portant sur des analyses iconographiques ne seront pas acceptées si elles ne sont l’occasion d’aborder des questions critiques de portée plus générale.

Les propositions de publication pourront en particulier s’inscrire dans un ou plusieurs des axes suivants :

–  Les artistes racontant des histoires;

–  les artistes racontant leur propre histoire (récits autorisés, etc);

–  les historiens ou les historiennes racontant la vie de l’artiste (de Giorgio Vasari à Ernst Kriz et Otto Kurz) ;

–  les historiens ou les historiennes faisant le récit des récits visuels (iconographie, iconologie, interprétation, etc);

–  la mise en récit de l’histoire de l’art de façon synchronique (les «grands» mouvements, les «grands» récits);

–  les contre-récits et les remises en récit des récits de l’histoire de l’art (historiographie, fictionnalisation) ;

–  la place et la possibilité d’un récit collectif et/ou participatif dans le champ de la discipline;

–  les impacts et résonances socio-politiques des récits et contre-récits de l’histoire de l’art (enjeux militants, débats sociétaux).

Perspective : actualité en histoire de l’art Publiée par l’Institut national d’histoire de l’art (INHA) depuis 2006, Perspective est une revue semestrielle dont l’ambition est d’exposer l’actualité plurielle d’une recherche en histoire de l’art qui soit toujours située et dynamique, explicitement consciente de son historicité et de ses articulations. Elle témoigne des débats historiographiques de la discipline sans cesser de se confronter aux œuvres et aux images, d’en renouveler la lecture, et de nourrir ainsi une réflexion globale, intra- et interdisciplinaire. La revue publie des textes scientifiques offrant une perspective inédite autour d’un thème donné. Ceux-ci situent leur propos dans un champ large, sans perdre de vue l’objet qu’ils se donnent: ils se projettent au-delà de l’étude de cas précise, et interrogent la discipline, ses moyens, son histoire et ses limites, en inscrivant leurs interrogations dans l’actualité – celle de la recherche en histoire de l’art, celle des disciplines voisines, celle enfin qui nous interpelle toutes et tous en tant que citoyens. Perspective invite ses contributeurs à actualiser le matériel historiographique et le questionnement théorique à partir duquel ils élaborent leurs travaux, c’est-à-dire à penser, à partir et autour d’une question précise, un bilan qui sera envisagé comme un outil épistémologique. Ainsi, chaque article veillera à actualiser sa réflexion en tissant autant que possible des liens avec les grands débats sociétaux et intellectuels de notre temps.

La revue Perspective est pensée comme un carrefour disciplinaire ayant vocation à favoriser les dialogues entre l’histoire de l’art et d’autres domaines de recherche, des sciences humaines notamment, en mettant en acte le concept du « bon voisinage » développé par Aby Warburg.

Toutes les aires géographiques, toutes les périodes et tous les médiums sont susceptibles d’y figurer.

Raconter, no 2022 – 2
Rédaction en chef : Marine Kisiel (INHA) et Matthieu Léglise (INHA)
Numéro coordonné avec Anne-Orange Poilpré (université Paris 1 – Panthéon-Sorbonne) Voir la composition du comité de rédaction.

Prière de faire parvenir vos propositions (un résumé de 2000 à 3000signes, un titre provisoire, une courte bibliographie sur le sujet, et une biographie de quelques lignes) à l’adresse de la rédaction (revue-perspective@inha.fr) avant le 1er juillet 2021.
Perspective prenant en charge les traductions, les projets seront examinés par le comité de rédaction quelle que soit la langue. Les auteurs des propositions retenues seront informés de la décision du comité de rédaction à la fin du mois de juillet 2021, tandis que les articles seront à remettre pour le 15décembre 2021.

Les articles soumis, d’une longueur finale de 25000 ou 45000 signes selon le projet envisagé, seront définitivement acceptés à l’issue d’un processus anonyme d’évaluation par les pairs.

Source : Perspective

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Publication – « Licornes. Celles qui existent et celles qui n’existent pas », dir. Jocelyn Benoist, Véronique Decaix

Personnage de jeu vidéo, motif de pyjama, créature de Harry Potter ou support de « tutos beauté » : la licorne, icône de la pop culture, est aujourd’hui partout. Mais si on l’associe volontiers au Moyen Âge tardif, et en particulier à la spectaculaire autant qu’énigmatique tenture La Dame à la licorne du musée de Cluny, sait-on que cet animal mythique trouve ses origines dans l’Antiquité grecque et l’Ancien Testament ? Qu’elle a oscillé dans la littérature médiévale entre les genres mâle et femelle, devenant tour à tour bête féroce capable d’éventrer l’éléphant et symbole de pureté virginale ? Et qu’en tant qu’exemple canonique d’objet dont il faut déterminer ou non s’il existe – ou s’il est possible qu’il existe et ce que cela signifie –, elle a passionné les philosophes, de Duns Scot à Bertrand Russell en passant par Kant et Leibniz ?

Informations pratiques :

Licornes. Celles qui existent et celles qui n’existent pas, dir. Jocelyn Benoist, Véronique Decaix, Paris, Vendémiaire, 2020. 396 p. ISBN : 978-2-36358-362-8. Prix : 24 euros.

Source : Vendémiaire

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Publication – Edhem Eldem, « L’Alhambra. À la croisée des histoires »

L’Alhambra, ensemble palatial fondé aux XIIIe et XIVe siècles par les souverains arabes de Grenade, est resté dans l’ombre pendant plusieurs siècles après la fin de la Reconquista.
Les Espagnols furent les premiers à « redécouvrir » l’Alhambra au XVIIIe siècle, alors que ses visiteurs étrangers en firent l’une des premières destinations touristiques du XIXe siècle. Beaucoup ont laissé de précieuses traces de leur passage : des écrits, des photographies et, surtout, des commentaires dans le livre des visiteurs de l’Alhambra, tenu depuis 1829.

L’historien Edhem Eldem a analysé ce document fascinant pour proposer une vision tout à fait nouvelle de l’Alhambra et de ce qu’il représentait. De Chateaubriand à Owen Jones et de Washington Irving à Jean-Léon Gérôme, les Occidentaux ont bâti une image de l’Andalousie toute empreinte de romantisme et d’orientalisme. Mais l’engouement occidental ne doit pas faire oublier les visiteurs « orientaux » du monument : des Maghrébins, nombreux mais peu loquaces ; des diplomates et voyageurs ottomans, parfois plus orientalistes que les Européens ; des Arabes du Machrek, de plus en plus influencés par le nationalisme arabe prôné par la Nahda, la « renaissance arabe ».

Autant de regards croisés que le registre des visiteurs, la presse de l’époque, les mémoires et les récits de voyage ont permis à l’auteur de reconstituer pour en tirer une histoire culturelle des rapports entre Orient et Occident, Nord et Sud, islam et chrétienté, centre et périphérie.

Edhem Eldem est professeur au département d’histoire de l’université de Boğaziçi et titulaire de la chaire internationale d’histoire turque et ottomane au Collège de France. Il a enseigné en tant que professeur invité à Berkeley, Harvard, Columbia, à l’École des hautes études en sciences sociales, à l’École pratique des hautes études et à l’École normale supérieure. Ses travaux portent entre autres sur le commerce du Levant, l’histoire de la Banque impériale ottomane, l’épigraphie funéraire ottomane, l’histoire de l’archéologie et de la photographie dans l’Empire ottoman, les transformations socio-économiques d’Istanbul au tournant du vingtième siècle, les biographies à la fin de l’Empire et les dynamiques de l’occidentalisation et de l’orientalisme.Principales publications en français : La Méditerranée turque (2000, avec Feride Çiçekoğlu) ; L’épitaphe ottomane musulmane XVIe-XXe siècles (2007, avec Nicolas Vatin) ; Un Orient de consommation (2010) ; Un Ottoman en Orient. Osman Hamdi Bey en Irak, 1869-1871 (2010) ; Le voyage à Nemrud Dağı d’Osman Hamdi Bey et Osgan Efendi (2010) ; L’Empire ottoman et la Turquie face à l’Occident (2018).

Table des matières :

Préface

I. Occident
Une passion occidentale
Du romantisme à l’exotisme
Une merveille architecturale
La légende noire
Orientalismes

II. Maghreb
Visiteurs du Maghreb
Faux arabes, maurophiles et maurophobes
Visiteurs maghrébins : les ambassades marocaines
L’ambassade de 1889
Vers une banalisation ?
Des sentiments par procuration ?
Des voix maghrébines ?
Supercherie ou brûlot idéologique ?

III. Orient
Un ambassadeur ottoman à Grenade
Fuad Efendi : pensées et sentiments
La diversité ottomane
Prises de conscience
Un pendant architectural ?

IV. Modernités
Vers une diplomatie « éclairée »
Le Machrek musulman entre en jeu
Mémoire, culture et littérature
Politique et idéologie
Émulation et diffusion
Divergences turques

Conclusion
Notes
Bibliographie
Provenance des illustrations et crédits iconographiques
Index

Informations pratiques :

Edhem Eldem, L’Alhambra. À la croisée des histoires, Paris, Les Belles Lettres, 2021. 384 p., 47 ill., 15 x 21,5 cm. ISBN : 9782251451879. Prix : 21,50 euros.

Source : Les Belles Lettres

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