Humaniste toulousain du XVIᵉ siècle, Guillaume de La Perrière est une figure singulière de la Renaissance française. Issu d’une famille de petite noblesse, gradué en droit et devenu prêtre, il mène une existence modeste, mais il se trouve au cœur de l’important mouvement qui s’attache, en cette période cruciale de l’histoire, à renouveler les savoirs. Fréquentant Nicolas Bertrand, Jean de Boyssoné, Marguerite de Navarre et Clément Marot, il a pu connaître André Alciat, Jean Calvin ou François Rabelais. Son œuvre, principalement connue pour son Théâtre des bons engins et son Miroir politicque, prend à bras le corps plusieurs des enjeux centraux du temps, qu’il s’agisse de la querelle des femmes ou du pétrarquisme, du stoïcisme ou de l’art de gouverner. Fruit d’importantes recherches, cette monographie, la première consacrée à l’auteur comme à son œuvre, en met en lumière toute l’originalité et la profondeur, invitant à situer son auteur parmi les figures les plus marquantes de l’humanisme.
Géraldine Cazals, Guillaume de La Perrière, Toulousain (1499-1554). Un juriste humaniste de la Renaissance, Genève, Droz, 2026 ; 1 vol., 1016 p. (Travaux d’Humanisme et Renaissance, 674). ISBN : 978-2-600-06619-8. Prix : CHF 89,00.
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Although pewter objects are widespread within decorative arts and an integral part of European cultural history, they have nonetheless been largely forgotten. At its branch venue in Schloss Köpenick, Berlin’s Kunstgewerbemuseum (Museum of Applied Arts) is showing a special exhibition that traces the use of pewter from the Middle Ages to Art Nouveau. Including some 100 artworks, it illuminates not only the development from sacred objects to everyday items, but also the complex use of the material in the art of furniture-making.
One of the most prominent exponents of this “boulle” furniture was cabinetmaker Johann Daniel Sommer, who practised his craft in Künzelsau, Württemberg, in the late 17th century. His furniture combines tortoiseshell, horn and pewter into a décor evincing an affinity to both painting and goldsmithing.
A special exhibition of the Kunstgewerbemuseum – Staatliche Museen zu Berlin.
Informations pratiques :
Museumportal Berlin Köpenick Palace Schlossinsel 1, 12557 Berlin
Faire front à la violence du monde par le savoir et par la culture. Si le projet humaniste s’est en grande partie fracassé sur les drames du XXe siècle, au temps du désenchantement peut succéder aujourd’hui celui d’une réflexion critique : les livres ne préviennent pas toujours la violence ; ils l’accompagnent souvent, la précèdent parfois, l’expriment en tout cas. Tel est le fil d’Ariane qui guide la rencontre de l’historien Patrick Boucheron avec les conservateurs de la bibliothèque de l’Arsenal et ses collections exceptionnelles et méconnues.
Les œuvres sélectionnées présentent une très grande variété : du manuscrit des 120 journées de Sodome de Sade, pièce emblématique de la bibliothèque, qui conserve également les archives de la Bastille, au Coran de Pierre le Vénérable jusqu’aux manuscrits de Georges Perec. Les ouvrages que les auteurs ont choisis — manuscrits enluminés, manuscrits d’écrivain, estampes, livres imprimés, presse politique ou presse à scandale… —, qu’ils commentent ensemble, construisent une bibliothèque des violences autour de six problématiques : l’érotisation de la violence ; un inventaire des violences faites au corps ; la violence chorégraphiée ; violence verbale et violence physique ; la place des mots dans le passage à l’acte ; la traduction comme acte prédateur ; les livres qui combattent la violence et appellent à la justice.
Exposition à la bibliothèque de l’Arsenal du 14 avril au 6 juillet 2026.
Patrick Boucheron, spécialiste du Moyen Âge, professeur au Collège de France où il occupe la chaire « Histoire des pouvoirs en Europe occidentale, XIIIe -XVIe siècles » ; il a également dirigé l’Histoire mondiale de la France paru aux éditions du Seuil en 2017.
Informations pratiques :
La poudre et l’encre. Une conversation avec Patrick Boucheron, Paris, BnF Éditions, 2026 ; 1 vol., 176 p. ISBN : 978-2-7177-3025-8. Prix : € 28,00.
Hybrid International Conference (Nicosie, Université de Chypre/en ligne, 4-6 juin 2027)
Practice both shapes and is shaped by the spaces that encompass it. Although this may appear an obvious statement, it remains no less true, inviting a holistic consideration of architectural spaces, their adornment, and their furnishings in conjunction with the human agents that created and used them and the actions that activated and enlivened them. As a result of this dynamic, reciprocal relationship, no solution to the articulation and elaboration of an architectural space precisely replicates another, despite the presence of shared forms and common patterns of behaviour.
Fully cognisant of the potential for such immense variability in both architectural production and consumption, contemporary research on medieval and early modern church buildings has prioritised the systematic concurrent examination of hitherto underexploited archival and/or assorted documentary evidence, objects in museum and other collections, and the extant edifices in their present state, often with the help of archaeology and modern technologies. Even though much has already been achieved in this field, there is still scope for further research with a view to ultimately graduating from individual case studies to broader and more comprehensive narratives of the uses (and abuses) of Christian sacred space in the medieval and early modern world.
The divergent paths pursued by the Roman- and Eastern-rite churches and their congregations after Late Antiquity led to a multiplicity of approaches to the configuration and function of the most sacred and privileged part of ecclesiastical buildings, usually – though not always – located at their east end. This divergence is reflected, among other areas, in the vocabulary employed by scholars studying different Christian architectural and liturgical traditions to describe such spaces. Here, while acknowledging the arbitrariness of our choice, we employ the term ‘choir’ as a generic yet recognisable term to indicate both the area of the sanctuary (comprising the bema, the prothesis and the sacristy/diakonikon) in Eastern-rite churches and the areas of the sanctuary (with its high altar) and the choir (accommodating the clergy’s stalls), in all their pre- and post-Tridentine variants, in Roman-rite churches.
Scholarship on Western Europe has benefitted from a series of monographs, collective volumes, and conference proceedings that have attempted to reinstate the high medieval (re)configuration of the interior of Roman churches; to better comprehend the placement of the choir within the medieval and early modern sacred space; to trace the transformations of the choral spaces of Renaissance Florence; and to delve deeper into the arrangement and functions of the choir spaces of the mendicant orders throughout Europe. The aforementioned research, coupled with a wide variety of further case studies from all over medieval and early modern Latin Christendom, have demonstrated the fluidity and multiplicity of form, location, access, and function of choir spaces, which were as dependent on changes in liturgical requirements and the ecclesiastical calendar as on fashion and aesthetics. They have also highlighted the ways in which these privileged spaces, which were primarily (though not exclusively) the purview of the clergy, accommodated and amplified the veneration of saints, relics, and images, played a significant role in promoting local cults, and perpetuated the strictly hierarchical stratification of premodern societies, both in life and in death.
Conversely, with respect to Byzantium, the area of the sanctuary is studied primarily as a space where the divine is made manifest at the confluence of art and ritual. The understanding of the area of the sanctuary in medieval / post-Iconoclast (ninth century onwards) Byzantine churches as an area given almost exclusively to liturgical use and accessible only to male clergy has never been critically examined, nuanced, or contested. The focus of studies concerned with the area behind the templon or chancel screen has been on the evolution of its architectural form and on its monumental pictorial decoration in relation to the liturgy and in response to current theological discussions on the Incarnation and the nature of the Eucharist. Potential paraliturgical and other functions, especially those associated with lay piety, have yet to be systematically explored, despite some ground-breaking case-studies.
Regardless of this vivid interest in choral spaces in both Western Europe and the Byzantine East, these two cultural spheres have seldom been examined in tandem from the point of view of choir disposition, embellishment, and use. Following the example of the seminal symposium on religious screens held at Dumbarton Oaks in 2003 (and published as Thresholds of the Sacred: Architectural, Art-Historical, Liturgical, and Theological Perspectives on Religious Screens, East and West, ed. Sharon E. J. Gerstel [Washington, DC, 2006]), this conference aims at bringing together scholars working on the art of choir spaces from the Iberian Peninsula to the Levant during the High/Late Middle Ages and early modernity (c. 1000–1600). It will attempt to venture beyond the relatively well-studied case of Italy to encompass case studies on the display, performance, and experience of art in choir spaces from both ends of the Mediterranean, with a particular interest in instances of 3
transconfessional encounter. Questions such as how the different kinds of source material available for choir spaces West and East condition scholarly approaches to their study; whether it would be possible to identify Byzantine input in the way that choral precincts and furnishings developed in the West and vice versa; or what role, if any, the Latin East could have played in such interactions as an area of intense cultural and religious interchange lie at the heart of the meeting’s agenda.
The stage will be set by our two keynote speakers, Prof. Donal Cooper (University of Cambridge) and Prof. Sharon Gerstel (UCLA), who will broach the theme of the conference from the point of view of Western European and Byzantine art history, respectively. Apart from these broad-brush critical overviews, we invite 20-minute papers in English that consider, but need not be limited to, the above questions. More specifically, we welcome papers on one or more of the following topics:
-Liturgical, paraliturgical, and profane uses of church choirs.
-The morphology of choir furnishings in relation to function and ritual.
-Lay and gendered access beyond the choir/templon/chancel screen, for both the living and the dead, physically or by proxy (i.e., in the form of effigies, inscriptions, graffiti, gifts).
-The ritual movement of people and objects to, from, and through choir spaces.
-Concealing and revealing reliquaries, images, funerary monuments, etc.
-Choir spaces as pilgrimage sites.
-Choir spaces and their art as seen through the lens of the Digital Humanities.
Informations pratiques
Paper titles and abstracts of about 300 words should be forwarded to Michalis Olympios and Maria Parani by 30 September 2026. Submissions should include the prospective speakers’ name and affiliation, email address, and a statement indicating whether they intend to participate in person or remotely. There is no registration fee. While we aim to secure discounted rates for participants at select hotels in Nicosia, please note that we are unable to cover travel or accommodation expenses.
Exposition temporaire au MHL – Gadagne Du 17 octobre 2025 au 1er novembre 2026 Visite | 1h | Tout public, à partir de 7 ans | Niveau -1 | 5 salles
À travers les plus belles pièces de la collection sculptée médiévale du MHL, cette exposition vous invite à découvrir le Moyen Âge lyonnais, en suivant comme fil conducteur l’histoire de l’abbaye de l’Ile-Barbe. Un voyage dans le temps, des débuts de l’époque médiévale à ses réinterprétations au 19e siècle et jusqu’à la pop culture contemporaine.
L’exposition démêle la réalité historique des récits légendaires qui ont façonné la réputation de l’ile. Elle explore le cadre de pensée de l’époque, relie la vie monastique à l’évolution de la ville et interpelle sur les racines de l’engouement actuel pour le Moyen Âge, ses réécritures et ses représentations.
Le contexte historique
L’exposition couvre le « long Moyen Âge » du 5e au 16e siècle et met en lumière l’Ile-Barbe, un de ses hauts lieux à Lyon. Les récentes recherches ont révélé l’ancienneté de ce site et son intégration dans les grands réseaux monastiques et les foyers de création artistique. L’Ile-Barbe était également un important lieu de pèlerinage marial, antérieur à Fourvière.
Des objets rares exposés
Des pièces exposées pour la première fois : des stèles funéraires du 3e siècle, fragments de barrière de chancels d’époque carolingienne
Un exceptionnel ensemble sculpté d’époque romane : bestiaire de l’Ile-Barbe, sculptures de l’abbaye d’Ainay, de Savigny…
Des objets issus de fouilles archéologiques récentes : objets funéraires (Ile-Barbe, place Valmy, Antiquaille), objets du quotidien et de pèlerinage (Saint-Georges, Hôtel-Dieu)
Des manuscrits carolingiens et des trésors d’églises (olifant, châsse-reliquaire…)
Un autel à libations égyptien
Le parcours d’exposition
1 — La fondation du monastère de l’Ile Barbe (5e au 8e siècle)
2 — La rénovation carolingienne (9e au 10e siècle)
3 — Un art roman lyonnais (11e au début du 14e siècle)
4 — L’abbaye et la ville (14e au 16e siècle)
5 — Des antiquaires au médiévalisme
Informations pratiques :
Exposition temporaire du 17 octobre 2025 au 1er novembre 2026, au Musée Gadagne de Lyon.
La poésie française est souvent étudiée dans la continuité de ses fondements antiques, grecs et latins, en particulier sur les plans thématiques et génériques. En revanche, le recours des poètes à l’étymologie a fait l’objet d’études plus sporadiques ou intégrées à de plus vastes enquêtes linguistiques (Rigolot 1977 ; Demonet 1992), alors que l’histoire d’un mot, depuis son berceau grec ou latin principalement, a de longue date passionné les poètes. Ces journées d’étude proposent donc de réfléchir à la manière dont les poètes français ont choisi leurs mots en fonction de leur étymologie, ont commenté l’origine des mots, ou, plus largement, ont joué avec les étymologies. Cet objet d’étude engage à la fois le champ des recherches sur la réception de l’Antiquité, notamment à travers l’approche linguistique, et les études qui s’intéressent à la conception de la poésie et de son rapport privilégié à la vérité.
Étymologie désigne en effet le discours sur le vrai dans son adéquation à la vérité (ἔτυμος) : d’origine stoïcienne, le terme a connu une grande fortune dans l’Antiquité et au Moyen Âge où l’étymologie est devenue une « forme de pensée » (Curtius 1956 ; Belardi 2002 ; Sluiter 2015). À la Renaissance, le statut de l’étymologie comme mode d’accès à l’essence des êtres et des choses constitue une interrogation cruciale des grammairiens, des historiens, des exégètes et des philosophes (Demonet 1998). « Lieu » de la rhétorique et « trope » (Goyet 1991), l’étymologie pourrait encore constituer un terrain d’observation privilégié de la poétique des genres du XIVe au XVIIe siècle, en différenciant par exemple la fréquence d’utilisation de l’étymologie, son positionnement argumentatif et sa visée en termes rhétoriques, ses motivations affectives, intellectuelles ou idéologiques, ou encore ses liens, formulés ou implicites, avec la recherche de la vérité – éléments dont la présence dans les traités grammaticaux latins et français du XVe et du XVIe siècle a fait l’objet d’un riche numéro de la revue Histoire Épistémologie Langage en 1994. Nous voudrions ainsi amener à réfléchir sur la place et la valeur de l’étymologie dans la poésie française. Il existe une gamme complète de procédés étymologiques jouant avec l’origine des mots qui va de la discrète allusion à la complète explication d’un nom. Dans quelle mesure et de quelles manières l’étymologie peut-elle intervenir dans le processus de création poétique ? Quelles conceptions de la langue et de sa valeur induit-elle ? Quel rapport des poètes français au latin et au grec ainsi qu’à leur propre langue souligne-t-elle ? Quelles sont les modalités du repérage des jeux étymologiques ?
1. Question diachronique Le choix d’un empan diachronique de quatre siècles permettra de suivre l’évolution du rôle de l’étymologie dans la poésie française au cours de plusieurs périodes de transitions fondamentales dans l’histoire de la littérature française. Depuis la fin du Moyen Âge jusqu’à la naissance de la littérature moderne au XVIIe siècle, en passant par l’époque charnière de la Renaissance, le rapport à l’Antiquité et aux langues anciennes est prédominant chez des auteurs qui s’appuient sur le modèle ancien dans l’élaboration d’une langue et d’une littérature françaises modernes. Ce vaste ensemble chronologique permettra, en même temps qu’une étude de l’évolution des pratiques poétiques de l’étymologie, de fructueuses comparaisons entre les périodes. En effet, du XIVe siècle au XVIIe siècle, la poésie française s’est affirmée dans son rapport à la littérature latine. Les poètes ont réfléchi à la formation d’une langue poétique autonome, mais attachée à ses racines poétiques et linguistiques. Ces efforts pourront être observés notamment au prisme de l’orthographe : l’introduction de lettres quiescentes durant les périodes de relatinisation de la langue française (Cazal et Parussa 2015) sert-elle, en poésie, des jeux de mots spécifiques (dérivations ou paronomases par exemple) ? Quels positionnements des auteurs sur l’étymologie peut-on déceler à partir de leurs préférences orthographiques (Catach 1968) et de leurs exploitations poétiques ? L’étymologie apparaît ainsi comme l’un des lieux où s’illustre la langue française dans sa dimension historique. Les poètes du XIVe siècle présentent d’ores et déjà de nombreux jeux avec l’étymologie, aussi bien par une remarquable créativité lexicale que par des rapprochements plaisants. Ainsi Eustache Deschamps joue-t-il, dans son poème sur Chaucer, du lien « ethimologique » qu’il suppose entre Anglicus, Anglus et Angelus (Ducos, 2026). Les éléments éponymiques qu’on trouve dans les épopées du XVIe siècle connaissent déjà des parallèles, notamment dans La Prise d’Alexandrie de Guillaume de Machaut où l’explication des noms contribue à la caractérisation des personnages tout en posant les jalons d’une interprétation allégorique. Au XVIIe siècle, l’étymologie, malgré la désaffection de plus en plus marquée pour « tout ce qui sent l’école », nourrit la catégorie du bel esprit qui trouve un terrain de jeu privilégié dans les recueils de poèmes mondains. Jean-François Sarrazin s’amuse par exemple dans le poème adressé « À Monsieur le Duc et à quelques dames de ses amies » à décliner humoristiquement l’étymon carmen : « La nature a mis de grands charmes / En la vertu de quelques carmes / Non pas des carmes déchaussés / Mais des carmes doux et lissés », les derniers renvoyant aux vers poétiques.
2. Étymologie et histoire de la langue française Si la langue française est issue de la langue latine et s’est construite dans sa continuité, il faut s’interroger sur la connaissance que pouvaient avoir les poètes de l’histoire de leur langue, de son rapport à des langues sources, latine, grecque ou autre, notamment l’hébreu. On peut ainsi se demander comment l’histoire de la langue et l’explication des mots se traduisent en poésie. L’enrichissement de la langue par des emprunts a pu amener à de nouvelles étymologies ou à des jeux sur ces emprunts par torsion ou modification d’un terme. La concurrence possible entre plusieurs étymologies pour un même nom amène aussi les poètes ou bien à choisir une version ou bien à combiner deux possibilités, comme le fait Bouchet dans ses Généalogies, où il rappelle l’origine de Françoys par Francus mais aussi par l’adjectif francus, « franc ». On pourra étudier avec profit la question de la connaissance qu’ont les poètes de leur langue, connaissance conditionnée par les sources auxquelles ils peuvent avoir accès. On s’interrogera en outre avec profit sur la réception de la culture étymologique antique et médiévale dans la poésie française. L’héritage d’Isidore de Séville (mort en 636) pourra faire l’objet de fructueuses recherches (Fontaine 1992 ; Verger 1992; Elfassi 2016 ; 2022), tant le savant wisigoth a imprégné la pensée occidentale par ses Étymologies, vaste encyclopédie où l’étude des noms est le prélude à la connaissance du monde (Draelants 1996). Mais l’influence d’autres penseurs fera également l’objet de réflexions fécondes, en particulier celle de Lorenzo Valla et de ses Elegantiae linguae Latinae (Chomarat, 1994). On pourra tout aussi bien s’interroger sur l’influence de la lexicographie, de la culture scolaire, des commentaires (Waquet 1998). En regard de ces sources savantes ou scolaires, on pourra ensuite considérer les sources littéraires et envisager notamment la réception des étymologies poétiques antiques, auquel cas il en va de la réception de la littérature grecque et latine dans la poésie française. Par exemple, Ronsard, dans ses Sonnets pour Hélène (112-113 ; II, 9, 1-4 et 32 ; I, 3), reprend l’étymologie de Hélène par gr. ἑλεῖν, infinitif aoriste de gr. αἱρεῖν, « prendre », que l’on trouve chez Eschyle puis chez Ovide. De la même façon, La Fontaine, dans « Le Paon se plaignant à Junon », fait dire à Junon qui s’adresse au paon qui se plaint de sa voix : « Toi […] qui te panades », où se panader signifie « faire le paon » et est mis à la place de se pavaner : au lieu du mot issu de l’italien padana, « danse de Padoue », le fabuliste préfère une forme incorrecte qu’il tire de pavo, -onis, « paon ». Le jeu est d’autant plus remarquable qu’il se retrouve dans « Le Geai se parant des plumes du paon » et fonde sur l’étymologie le caractère typique et naturel de l’animal. Par un jeu de va-et-vient, c’est ce caractère propre à l’animal qui peut poser les jalons de la lecture morale de la fable. Ces enquêtes pourront en outre amener à s’interroger sur la fonction théorétique de l’étymologie : dans quelle mesure ouvre-t-elle un chemin d’accès à la connaissance de la vérité ? Cet enjeu, très présent dans les jeux étymologiques du Moyen Âge (Guiette 1959), est-il encore actuel aux XVe, XVIe et XVIIe siècles ? On peut aussi se demander si les « nomenclateurs », figures mythiques et légendaires de l’attribution des noms sont représentées – on songe ici à la fable « Le cas de conscience », où La Fontaine réécrit les versets de la Genèse où Adam est chargé de donner un nom aux créatures. Le prisme de l’étude étymologique amène donc à l’étude de l’érudition poétique et de la réception des œuvres antiques, grecques et latines. Les pratiques étymologiques pourront ainsi être reliées à des pratiques de traduction, et plus largement aux relations entre la langue française et la ou les identité(s) nationale(s) : les étymologies favorisent-elles le latin, le grec voire, selon la théorie du « celthellénisme », le breton ? (Rey, Duval, Siouffi 2011 : 396-399 ; 433-435). Il sera encore bienvenu de mettre en perspective les pratiques étymologiques avec le souci de défense et d’illustration de la langue française qui anime les poètes de la Pléiade, pour poser en particulier le problème du « transfert » d’une langue en l’autre qui se présente à Du Bellay sous l’image de la greffe (Meerhoff 1986).
3. Étymologie et genres poétiques Il convient de déterminer s’il existe des genres poétiques plus propices à l’écriture de l’étymologie. Cette pratique permet-elle en particulier d’observer des différences entre les genres et entre les styles (Galand-Hallyn et Hallyn 2001) ? L’épopée contient-elle plus d’explications de noms ? Dans le registre épidictique en particulier, il faudra s’intéresser de près aux usages élogieux ou au contraire satiriques de l’étymologie et voir s’il est possible de les différencier. Enfin, un « jeu » étymologique peut aussi être « ludique » (Demonet 1998 : 63) et être utilisé pour réaliser un trait d’esprit repérable par le lecteur avisé. Ainsi, la connaissance des textes antiques permet à Ronsard d’affirmer qu’avril est « ce mois qui du beau nom d’Aphrodite s’appelle » (Sonnet « Je sens de veine en veine une chaleur nouvelle ») selon l’étymologie donnée par Ovide dans ses Fastes (IV, 61). Par ailleurs, le recours à l’étymologie s’inscrit dans la longue histoire de l’intérêt des poètes pour la création de noms motivés et de jeux avec la formation et la construction lexicale. On trouve déjà chez Homère l’explication du nom d’Ulysse / Ὀδυσσεύς à partir de ὀδύσσομαι, « s’irriter contre », dans le cadre du récit de la nourrice rappelant la naissance du héros (Od., XIX, 406-412). C’est le propre de l’éponymie, catégorie de l’étymologie (Delattre 2018), d’inscrire le nom dans le récit de son attribution : l’épopée et la tragédie antique ont utilisé ce type de raisonnement aussi bien pour motiver le comportement du héros que pour expliquer l’histoire des lieux : la dimension politique et sociale de l’étymologie y est nette. Aux XVe et XVIe siècles, la motivation onomastique rencontre des enjeux proches dans le cadre encore féodal qui gouverne les relations entre les poètes et les Grands (Ménager 1979 ; Lionetto 2025), par la louange d’un nom ou d’une nation, dont le personnage de Francus, des Illustrations de Jean Lemaire de Belges à La Franciade de Ronsard, est sans doute l’exemple le plus connu (Desbois-Ientile 2019). Au XVIIe siècle, de nombreux poèmes galants sont adressés à Phyllis ou Phillis, étymologiquement « celle qu’on aime », dont le type est présent dans les Héroïdes d’Ovide (2, « Phyllis à Démophoon »), les Bucoliques de Virgile (3, 107), et l’Astrée. Mais la question de la remotivation et, même, de la « rétro-motivation » (Guiraud 1972) par l’étymologie invite aussi à enquêter sur l’élaboration de la fable poétique ou « mythe » par le choix des mots et, de là, à s’interroger sur les relations entre vérité et imagination créatrice à la Renaissance et l’âge classique. Le mot dévoile-t-il la chose ? Quel rôle et quel statut l’étymologie occupe-t elle dans le champ de l’invention ?
La question de l’étymologie permettra donc d’initier une nouvelle approche de la réception classique, grecque et latine, au prisme de la compréhension des mots et des jeux avec les connaissances linguistiques et littéraires du lecteur. Si la journée portera spécifiquement sur la poésie française du XIVe au XVIIe siècle, nous espérons qu’elle sera la première d’une réflexion plus large sur les rapports de la poésie française aux langues grecque et latine.
Comité d’organisation Lorène Bellanger, Université de Caen Normandie Cécile Margelidon, ENS de Paris et Université de Tours Adèle Payen de La Garanderie, Nantes Université
Comité scientifique Déborah BOIJOUX (Nantes Université) Gilles COUFFIGNAL (Sorbonne Université) Marie-Luce DEMONET (Université de Tours) Catherine GAULLIER-BOUGASSAS (Université de Caen Normandie) Francis GOYET (Université Grenoble Alpes) Arnaud PERROT (Université de Tours) Daniel PETIT (ENS de Paris) Tiphaine ROLLAND (Sorbonne Université) Gilles SIOUFFI (Sorbonne Université)
Il riuso dell’antico nelle città medievali, lungi dall’essere una pratica dettata unicamente dalla disponibilità di materiali, è un fenomeno complesso, nel quale convergono continuità insediativa, memoria culturale, strategie politiche e processi di costruzione identitaria. Il volume è incentrato su due casi di studio, Lucca e Firenze fra ix e xv secolo, accomunati da una sostanziale continuità insediativa, ma segnati da sviluppi politici differenti. Grazie a un’ampia ricognizione delle fonti documentarie, cronachistiche e letterarie, l’indagine ricostruisce la persistenza, la trasformazione e la risemantizzazione dell’antico nel tessuto medievale. La trattazione prende avvio dalla toponomastica, considerata un osservatorio privilegiato per cogliere la sopravvivenza materiale e immateriale dell’antico, l’esistenza di strutture ancora visibili, la permanenza nella memoria collettiva di elementi ormai scomparsi, quali indicatori di identità urbana e sociale, strumenti di organizzazione dello spazio e di definizione pubblica e personale. L’analisi si estende poi alle modalità concrete di riutilizzo degli edifici, dal recupero di materiali alla riconversione funzionale, mostrando come il reimpiego rispondesse tanto a esigenze pratiche quanto a logiche politiche e simboliche. Infine, il focus si sposta sul ruolo dei miti di fondazione, attraverso i quali la cronachistica elabora un rapporto delle città medievali con la Romanitas oscillante tra continuità rivendicata e selettiva rielaborazione del passato, capace di modellare la memoria storica e l’identità civica.
Table des matières :
Introduzione
Le fonti Lucca/Firenze
Persistenza, memoria e identità Toponomastica: lo spazio del quotidiano/Lo spazio del sacro/Il riuso degli edifici: teatro e anfiteatro a Lucca e Firenze
La struttura urbana e il mito di fondazione Lucca/Firenze Conclusioni Appendice Attestazioni documentarie dei luoghi e degli edifici di Lucca Attestazioni documentarie dei luoghi e degli edifici di Firenze Bibliografia Indice dei nomi e dei luoghi
Informations pratiques :
Mafalda Toniazzi, Il riuso dell’antico. Architetture e luoghi romani nella Lucca e nella Firenze medievali (secoli IX-XV), Rome, Carocci, 2026 ; 1 vol., 160 p. (Studi Storici Carocci). ISBN : 978-8-82903-427-7. Prix : € 19,00.
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Comment les genres littéraires émergent-ils ? À partir de quand un corpus contient-il suffisamment de textes pour que ses lecteurs éprouvent le besoin de les trier et de les regrouper par affinités ? Lorsqu’une littérature s’élabore de manière expérimentale, par coups d’essai et coups de sonde, sans le poids d’un apparat théorique ou d’une tradition antérieure, d’où viennent les lignes de force qui vont rassembler et distinguer les œuvres entre elles ? Les premières décennies de la littérature narrative d’expression française au Moyen Âge – des origines jusqu’à l’émergence de la prose littéraire autour de 1200 – constituent un laboratoire générique où auteurs et lecteurs construisent ensemble un paysage poétique aux potentialités multiples, tantôt fixe, tantôt fuyant. Patrick Moran propose ici, à travers l’examen de cette période décisive, d’étudier les mécanismes qui gouvernent notre pulsion catégorisante.
Patrick Moran, Le marché céleste. Essai sur l’émergence des genres littéraires narratifs au Moyen Âge, Genève, Droz, 2026 ; 1 vol., 304 p. (Publications Romanes et Françaises, 285). ISBN : 978-2-600-06729-4. Prix : € 49,00.
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Moins célèbre que le pont d’Avignon, le pont lyonnais sur le Rhône possède pourtant une histoire d’une richesse exceptionnelle : seul passage du fleuve jusqu’au XVIIIe siècle, il fut démoli en 1953 après plus de 700 ans d’existence.
Aujourd’hui, il apparaît nécessaire de reconsidérer à nouveaux frais les premiers travaux historiques de Marie-Claude et Georges Guigue (1886) et la synthèse archéologique de Joelle Burnouf (1991) sur cette question. S’appuyant sur un corpus archivistique foisonnant — délibérations capitulaires, registres comptables, vestiges archéologiques —, l’auteur reconstitue ici son histoire depuis sa fondation au XIIe siècle jusqu’à la Renaissance.
Plus qu’un simple ouvrage utilitaire, ce pont fut un enjeu de pouvoir entre le chapitre cathédral, l’archevêque et les bourgeois de la ville, un pôle religieux, un axe marchand stratégique et un point de défense militaire. Entité juridique autonome dotée de droits féodaux, de terres et d’une trésorerie prospère, il fut encore un chantier permanent animé par maçons, charpentiers et manœuvres. À travers ce monument oublié, c’est une tranche entière de la vie sociale, économique et politique de Lyon médiéval qui se révèle au lecteur.
Informations pratiques :
Jean-Benoît Krumenacker, Au défi du Rhône. Construction, exploitation et usages d’un pont à Lyon, XIIe-XVIe siècle, Lyon, CIHAM-Editions, 2026 ; 1 vol., 324 p. (Collection Mondes médiévaux, 17). ISBN : 978-2-9585-8096-4. Prix : € 30,00.
Publié dansPublications|Commentaires fermés sur Publication – Jean-Benoît Krumenacker, « Au défi du Rhône. Construction, exploitation et usages d’un pont à Lyon, XIIe-XVIe siècle »
Durante la Edad Media, las complejas intersecciones entre el poder, la doctrina y la tecnología dieron forma a la experiencia visual. Las preguntas sobre quién veía las imágenes, cómo se veían y qué se podía mostrar son, por lo tanto, inseparables de las estructuras de visión orquestadas por las autoridades políticas y eclesiásticas. Los estudios de varios investigadores han disipado la idea de una «Edad Media antivisual».
Investigaciones recientes sobre la metafísica de la luz, las teorías medievales de la cognición, las estructuras narrativas, el color y la visión encarnada, entre otros temas, han demostrado la importancia de las condiciones de visión y la subjetividad para la función y la recepción de las imágenes medievales. Se han examinado las configuraciones históricas y culturalmente específicas que regían el ver, el ser visto y la representación visual, es decir, las fuerzas sociales, tecnológicas e institucionales que organizaban los regímenes de la visión. Al hacerlo, los nuevos estudios también han renovado la atención prestada a los escritos de Guillermo de Ockham, Roger Bacon, Pedro de Limoges y otros, en contextos más amplios como la recepción del saber antiguo, la ciencia óptica y la historia de las controversias eucarísticas.
El coloquio dedicado a los «regímenes de visualidad» del arte medieval tiene como objetivo avanzar en la comprensión de las diversas formas en que la atención del espectador hacia las obras medievales construía significado. Con ese fin, se examinarán los protocolos de observación incorporados en la ekphrasis y otros textos, se explorará las nociones de tiempo y progresión que se materializan a través de los movimientos del espectador, la representación ritual y los cambios de perspectiva y se prestará atención a las señales internas para la observación adecuada de las obras de arte. Además, se considerará cómo las condiciones físicas cambiantes de la visión, como las progresiones de luz (natural y artificial), el pasar las páginas, la manipulación y las circunstancias corporales del envejecimiento, la educación y la salud, contribuyeron a comprender el significado de las obras de arte medieval, generando lo que podría denominarse un «programa de visión» para los fieles.
Reconociendo que la visión no era ni pasiva ni neutral durante la Edad Media, sino un elemento activo en la construcción del significado de las obras de arte, este coloquio se propone examinar las coordenadas culturales y los intereses ideológicos del arte medieval, incluidos los procedimientos de conocimiento, las prácticas de devoción y el ejercicio del poder articulado a través de regímenes visuales deliberados.
Programme :
Viernes, 2 octubre (Aguilar de Campoo. Fundación Sta. Mª la Real)
09.00 h.: Recepción de asistentes
09.30 h.: Presentación del Coloquio. Gerardo Boto Varela / Alejandro García Avilés
Presidencia de sesión: Alejandro García Avilés (Universidad de Murcia)
09.45 h.: Víctor I. Stoichita – Université de Fribourg (Suiza): Soñar con los ojos abiertos. San Pedro sonámbulo
10.30 h.: Debate
10.45 h.: Pausa-café
11.15 h.: Antonia MartínezRuipérez – Universität Basel (Suiza): Ver lo inaccesible en el siglo XII
12.00 h.: Comunicación
12.20 h.: Debate
Sesión de tarde Presidencia de sesión: Gerardo Boto Varela (Universitat de Girona)
16.00 h.: Ravinder Binning – Universität Wien (Austria): The Aesthetics of Obscurity in Middle Byzantine Art
16.45 h.: Martin Schwarz – Universität Basel (Suiza): Geometry Distorted. Late Gothic Desing and the Limits of Vision
17.30 h.: Comunicación
17.50 h.: Debate
Sábado, 3 de octubre (Baltanás. Museo del Cerrato)
08.15 h.: Desplazamiento en autobús (a cargo de la organización)
Presidencia de sesión: Marc Sureda Jubany (Fundació Institut Amatller d’Art Hispànic)
10.00 h.: Francisco Prado-Vilar – Universidad de Santiago de Compostela (España): Figura, Ymago, simulacro: sobre los límites del parecido
10.45 h.: Jorge Tomás García – Universidad Autónoma de Madrid (España): La visión sonora. Ante los panegíricos latinos entre la Antigüedad y la Edad Media
11.30 h.: Debate
12.00 h.: Visita. Museo del Cerrato (sala de arte sacro) y barrio de bodegas históricas
14.00 h.: Comida
16.30 h.: Visita a la iglesia de Santa Columba de Villamediana
18.00 h.: Visita al monasterio de Santa Cruz de la Zarza
Domingo, 4 de octubre (Aguilar de Campoo. Fundación Sta. Mª la Real)
Presidencia de sesión: Fernando Gutiérrez Baños (Universidad de Valladolid)
09.30 h.: Elina Gertsman – Case Western Reserve University (USA): Seeing in the Dark
10.15 h.: Comunicación
10.35 h.: Debate
10.55 h.: Descanso
11.15 h.: Thomas Dale – University of Wisconsin-Madison (USA): The Pala d’Oro of San Marco. Dante and the multi-sensory perception of the Heavenly Paradise
12.00 h.: Debate
12.30 h.: Conclusiones: Vincent Debiais – École des Hautes Études en Sciences Sociales/CNRS (París)
13.00 h.: Clausura y entrega de certificados a los asistentes
Avec le soutien du FNRS, du CRHiDI (UCLouvain – Saint-Louis, Bruxelles), d'INCAL (UCLouvain), de PraME (UNamur), de sociAMM (ULB) et de Transitions (ULiège)
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