Internationales Begegnungszentrum (IBZ), Universität Erfurt 13.11.2025 – 14.11.2025
Research projects on nutrition are often labelled as food studies. These are generally understood as an analysis of food and its interrelationships between science and society in the past, present, and future. According to the free encyclopaedia Wikipedia, food studies involve a variety of disciplines such as agricultural science, nutritional science, ethnology/cultural anthropology, gastronomy, history, philosophy, sociology, and literature. The research focus of food studies is therefore the relationship between nutrition and food as well as human experience (Miller/Deutsch 2009). However, more detailed definitions are rare. The Routledge International Handbook of Food Studies (Albala 2013), for instance, even avoids a definition altogether. Methodologically, it has been suggested that food studies should be understood as food audit in which a dietary analysis is used to visualize the entanglement of production and the meaning attributed to it in society by examining agro-food systems and applying the actor-network theory (Murcott/Belasco/Jackson 2013). Agro-food studies set similar emphases with its focus on food regimes, which involve the interplay of supply chains and their control by multiple actors (Ermann et al. 2017). Climate adaptation programmes such as the “From Farm to Fork” strategy formulated by the European Union take approaches of this kind into account in order to implement a sustainable food system.
These approaches are strongly shaped by the present and easily run into limitations when analysing pre-modern, particularly medieval, subjects. These limitations can, for example, consist of the source-based tradition, the social and power-political structures of the time, or economic factors. The national terms used to describe the history of food show how differently it is characterized from a historical perspective: food history, Ernährungsgeschichte, storia dell’alimentazione, or histoire de la gastronomie. They also highlight different focal points of historical research. So, what are food studies of the Middle Ages or perhaps pre-modern times?
In medieval studies, the history of food is not regarded as an independent sub-discipline, but rather understood as part of everyday and environmental history (with close links to social and economic history) (Goetz 2014; Hartmann 2017). Historiography, and especially German medieval studies, have made a name for themselves in the study of medieval food culture by working out the networks of the transfer of dietary and culinary knowledge and analysing the culinary culture of the era itself. Of course, the importance of religion for medieval culinary culture and European identity has also been recognized. Interdisciplinary attempts to combine archaeological and archaeobotanical findings with historical studies have helped to clarify the picture of the medieval diet. Today, digital source corpora such as CoReMA allow the computer-aided analysis of German-language cooking recipes from the Middle Ages.
It is time to bring together the various approaches and disciplines and to discuss what characterizes food studies in medieval studies. The conference will therefore consider examples and approaches that address current research projects and their methods as well as theoretical and methodological ideas for framing a pre-modern food history and thus sharpen the concept of food studies. The following topics shall be discussed: – What is specific about the history of nutrition/food studies in the Middle Ages or is it only to be understood in the context of the pre-modern era? – Are there possibilities for periodization according to alimentary criteria? – Which areas of food studies can be researched from a medievalist perspective and which cannot? – How can new perspectives lead to more insights regarding the history of food by bringing together different disciplines? – Where are desiderata and links for more interdisciplinary approaches? – And: Food Studies – quo vadis? What do new approaches look like, which theories and combinations of methods promise new perspectives in medieval research?
Due to the alimentary nature of the subject, an interdisciplinary orientation is intended. The conference is aimed at early career researchers as well as established scholars. Contributions from the fields of agricultural history, archaeology/archaeobotany, gender history, geography, history, cultural anthropology, literary studies, medical history, religious studies/theology, sociology, or linguistics are very welcome.
We invite interested participants to submit proposals with a short abstract of 300 words. Proposals can be prepared in German or English. The presentations should not exceed 20 minutes and will be followed by a discussion. The conference languages will be German and English.
We intend to publish the conference papers. We will also attempt to cover travel cost and accommodation.
Abstracts should be sent to Dr Stephan Ebert by 2 March 2025.
La chartreuse de Glandier, fondée en 1219, est une des deux seules chartreuses du diocèse de Limoges. Les archives de la chartreuse ont beaucoup souffert à la suite de la Révolution, si bien que le chartrier n’est connu, pour l’essentiel, qu’à travers les analyses et extraits pris, au XVIIe siècle, par dom Cl. Estiennot et le P. J.-B. Pradilhon, feuillant, puis, au XVIIIe siècle, par l’abbé J. Nadaud. C’est grâce à ces érudits que nous avons une trace du nécrologe et d’un livre des bienfaiteurs médiéval. En 1683, un frère de la maison entreprend la rédaction d’un Calendarium, un obituaire en deux parties, la première consacrée aux religieux dont la communauté faisait mémoire, et la seconde aux bienfaiteurs séculiers, cet obituaire étant précédé d’une histoire de la chartreuse, malheureusement incomplète. Ce Calendarium est aujourd’hui conservé dans les archives du monastère de la Grande Chartreuse. A la différence du nécrologe, qui témoigne des fondations faites spécifiquement à la chartreuse limousine, il renferme nombre de religieux et de bienfaiteurs dont la mémoire était célébrée dans l’ensemble de l’ordre, mais dont les noms étaient parvenus à Glandier ou y avaient été retenus, témoin de la pratique mémorielle des chartreux.
Informations pratiques :
Les obituaires de la chartreuse de Glandier, éd. Jean-Loup Lemaître, Paris, Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, 2023 ; 1 vol., XII–252 p. (Recueil des historiens de la France, Obituaires, Nouvelle série, 30). ISBN : 978-2-87754-705-5. Prix : € 40,00.
When Henry II accepted the Leinster king Diarmait Mac Murchada as his liegeman in 1166, he forged a bond between the English crown and Ireland that has never been undone. Ireland was to be changed forever as a result of the momentous events that followed – so much so that it is normal for professional historians to specialise in either the pre- or post-invasion period. Here, for the first time, is an account of the impact of the English invasion on the Irish kingdoms in the context of their strategies across the whole twelfth century.
Ireland’s leading men battled for spheres of influence, for recognition of their hegemonies and, ultimately, for the coveted title of ‘king of Ireland’. But what did it mean to be the king of Ireland when no one dynasty had secured their hold on it? This book takes a close look at each pretender, asking what it meant to them – and whether the political dynamics surrounding the role had an impact on the course of the invasion itself.
Seán Ó Hoireabhárd, The Medieval Irish Kings and the English Invasion, Liverpool, Liverpool University Press, 2024 ; 1 vol., 464 p. ISBN : 978-1-83553-844-9. Prix : GBP 125,00.
En 1950, Hans Liebeschutz soutenait que « c’est Grégoire le Grand qui créa la forme de pensée de la littérature politique médiévale. »[1]. Bien qu’il n’ait laissé aucun traité à caractère politique, l’auteur de la Regula pastoralis, semble mobiliser un champ sémantique lorsqu’il décrit la charge du rector chrétien, que l’on retrouve principalement dans les traités de bon gouvernement. Il est, de fait, le premier à théoriser le regimen, après la chute de l’empire romain[2]. Lors de ses développements sur la cura animarum – thème qu’il emploie régulièrement, dans ses traités exégétiques ou à portée morale – Grégoire le Grand investit un vocabulaire dont la portée semble aussi politique que théologique. La polysémie réfléchie des termes mobilisés dans la Regula pastoralis, mais aussi dans les Moralia in Job, assurent une large diffusion à ces traités réemployés, cités dans des œuvres destinées certes à des clercs, mais aussi à des rois – pensons notamment au réemploi de la Regula pastoralis dans la Via Regia, de Smaragde de Saint Mihiel, l’un des premiers miroirs aux princes carolingiens. Cette diffusion interroge l’influence qu’aurait eue Grégoire dans l’élaboration progressive d’un vocabulaire commun du gouvernement, et de sa pérennité dans les traités politiques et théologiques latins tout au long du Moyen Âge, dans l’Occident latin. Les langages, souvent elliptiques, employés par les pouvoirs spirituels et séculiers, semblent souvent se rejoindre, parfois même se confondre. Ces langages s’arriment à un ancrage sémantique commun. Il n’est pas rare, au Moyen Âge, de trouver des exemples centrés sur divers rois bibliques dans des traités adressés à des clercs[3]. Huguette Taviani-Carozzi montra par exemple que le commentaire in I° regum de Pierre de Cava avait pour vocation de proposer différents modèles ecclésiastiques[4].
À la suite des travaux de Michel Senellart[5] interrogeant la notion de regimen et l’évolution progressive de ce concept vers celui de gouvernement, le thème a été notamment abordé dans Gouverner les hommes, gouverner les âmes[6], où fut évoquée la question des champs lexicaux de la pratique du gouvernement. En 2021, Langages du pouvoir au Moyen-Âge et au début de la modernité posait la question du langage comme mode d’expression privilégié du pouvoir. Cependant si la question du rapport entre texte biblique et politique a été étudiée[7], si certains mots clefs du vocabulaire politique latin médiéval ont fait l’objet d’articles pionniers[8], la question de l’interpénétration des vocabulaires politique et théologique ne semble pas avoir fait l’objet d’une étude interrogeant ses évolutions sur le long terme[9].
Pourtant, la période allant de la renaissance carolingienne à ce qu’Olivier Bertrand nomme « l’émergence d’un vocabulaire français de la science politique » (XIVe-XVe) dérivé du latin politique de l’antiquité[10] est marquée par une intense circulation et par un enchevêtrement accru des mots de l’écriture politique et théologique dans le latin des sources savantes. L’évolution des interprétations de la Bible[11], les variations introduites dans l’étude des corpus littéraires suite à la renaissance du XIIe siècle et du renouveau aristotélicien au XIIIe siècle semblent manifester un réemploi du vocabulaire biblique et patristique, à des fins tant politiques que théologiques. Longtemps, le gouvernement des âmes et les affaires temporelles emploient les mêmes mots pour se décrire. Les maîtres de l’écrit – moines, clercs – puisent dans la Bible et les écrits patristiques nombre d’exemples, et contribuent à la formation d’un vocabulaire « théologico-politique »[12] qui semble s’imposer durant une longue période allant du IXe au XIVe siècle. Or, la grande porosité du politique et du théologique semble complexifier la lecture et la compréhension des textes, dont on peine parfois à définir le vocabulaire – pensons par exemple au terme rector qui, dès son emploi par Grégoire le Grand dans la Regula pastoralis, pose le problème du destinataire : qui est ce rector devant conduire les hommes : l’évêque ou le roi ?
L’utilisation de la Bible à des fins politiques[13], le réemploi du vocabulaire patristique dans des ouvrages d’instruction princière posent non seulement la question des limites et de la diffusion d’un vocabulaire commun du gouvernement, dans l’exégèse, les sermons, les miroirs aux princes et les discours d’inauguration, mais aussi celle des effets de cette diffusion dans l’évolution de ces « genres » littéraires[14]. L’exégèse – surtout destinée à un public d’ecclésiastiques – qui s’actualise en raison du commentaire littéral – semble se « politiser » à partir du XIVe siècle et devient peut-être, avec Nicolas de Lyre, un « miroir du prince » selon les mots de Philippe Buc[15]. Les specula, quant à eux, peuvent mimer l’exégèse, à l’image de Jean de Limoges qui rédige, vers 1250, le Morale somnium pharaonis, miroir au prince prenant appui sur l’exégèse de Genèse 41[16]. La rhétorique du miroir est par ailleurs elle-même singulièrement présente tout au long de l’Écriture (Jc 1, 23-24, par exemple)[17].
Si le champ sémantique de la politique semble se fixer dès les Pères de l’Église, l’usage des mots et leurs sous-entendus ne cessent d’évoluer, de l’époque carolingienne au XIVe siècle. Peu à peu, il s’est imposé dans différents types d’écrits aussi bien politiques que théologiques. Or, la remobilisation d’un vocabulaire patristique à des fins politiques pose la question de sa compréhension, de sa différenciation, et de l’intertextualité induite des textes théologiques et politiques de cette période.
Ces Journées d’Études des 22 et 29 mars 2025 entendent ainsi s’intéresser aux évolutions et aux formes du réemploi du vocabulaire politique dans des traités à caractère religieux, tout au long du Moyen Âge, mais également aux échanges de vocables entre différents espaces, et différentes institutions, et par conséquent à leurs dynamiques de circulation dans l’espace européen, du IXe au XIVe siècle. La question des évolutions dans la compréhension de ces termes, tout au long de cette période, sera également posée.
Programme :
9h30 : Accueil des participants/tes
10h00 : Mathis Prévost (GRHis/Université de Rouen-Normandie) – ouverture.
10h30 : Bruno Dumézil (CRM/Sorbonne Université) Le vocabulaire de gouvernement dans les lettres échangées entre les clercs et les rois barbares d’Occident entre les années 540 et le début du VIIe siècle.
11h15 : pause
11h30 : Constantin Frolich (CRM/Sorbonne Université) Le vocabulaire de la pénitence royale dans le monde franc entre 822 et 1077.
12h15 : Nicolas Michel (FNRS/Université de Namur) Les Variae de Cassiodore et la construction d’une rhétorique politique européenne (XIIe-XVe siècles).
13h : Pause méridionale
14h15 : reprise
14h30 : Renaud Alexandre (IRHT/CNRS) Gouvernail et gouvernement : usages médiévaux de gubernare et ses dérivés.
15h15 : Maïté Billoré (CIHAM/Université Lyon 3 Jean Moulin) « Cum Petro exserui gladium verbi Dei, ut Malchi saevientis auriculam amputarem ». La politisation de la parole patristique ou biblique à l’époque des Plantagenet.
16h00 : pause
16h15 : Emilie Rosenblieh (Centre Lucien Febvre/ Université de Franche Comté) Dire et faire la décision collective : vota et voces dans les assemblées conciliaires de l’Église latine au XVe siècle.
17h00 : Olivier Bertrand (LT2D/Université de Cergy) Du Speculum au Miroir : le rôle des traductions dans l’évolution médiévale d’un genre.
18h30 : fin de journée
[1] Liebeschütz, H., Medieval humanism in the life and work of John of Salisbury, Londres, 1950.
[2] Senellart, M., les arts de gouverner, du regimen medieval au concept de gouvernement, Paris, Seuil, 1995.
[3]Huguette Taviani-Carozzi l’a montré à propos de Pierre de Cava, abbé d’une fondation normande des Pouilles au milieu du XIIe siècle et dont le commentaire sur le Premier Livre de Samuel, longtemps attribué à Grégoire le Grand, a pour vocation de proposer différents modèles ecclésiastiques aux « prelati », « rectores », « pastores », ou « predicatores »…
[4] « lus régis : le droit du roi d’après le Commentaire sur le Premier Livre des Rois de Pierre de Cava (XIIe siècle) » in Huguette Taviani-Carozzi et Claude Carozzi [éd.], Le pouvoir au Moyen Âge. Idéologies, pratiques, représentations, 2005, p. 257-278.
[5] Senellart, M., op. Cit.
[6] Gouverner les hommes, gouverner les âmes, XLVIe congrès de la Shmesp, Paris, Editions de la sorbonne, juillet 2019.
[7] Baldwin, J.W., Masters, Princes and merchants. The social views of Peter the Chanter and his circle, 2 vol, Princeton, 1970 ; Buc, P., L’Ambiguïté du Livre : prince, pouvoir et peuple dans les commentaires de la Bible au Moyen-Âge, Paris, Cerf, 1994 ; ou encore Barrau, J., Bible, lettres et politique, l’écriture au service des hommes à l’époque de Thomas Becket, Paris, Classiques Garnier, 2023.
[8] Pensons à Claude Carozzi, « Praelatus. L’anticléricalisme médiéval » dans L’Anticléricalisme en France méridionale (milieu XIIe-début XIVe siècle), Cahiers de Fanjeaux 38, p. 17-40 ou à Jean-Philippe Genet, « Le vocabulaire politique du “Policraticus” de Jean de Salisbury : le prince et le roi », dans La cour Plantagenêt (1154-1204), 2000, p. 187-215
[9] Pensons notamment à l’article de Valentina Toneatto : « les lexiques du gouvernement ecclésiastique au haut Moyen-Âge », dans Gouverner les hommes, gouverner les âmes, XLVIe congrès de la Shmesp, Paris, Editions de la sorbonne, juillet 2019, p. 39-49, ou de Caroline Chevalier-Royet « Des prédicateurs au service de la réforme de la société carolingienne : l’exemple des homélies de Raban Maur (vers 780-856) », Ibid, p. 49-58.
[10] Bertrand, O., « Le vocabulaire politique aux XIVe et XVe siècles : constitution d’un lexique ou émergence d’une science ? », dans Langage et société, 113, 2005, p. 11-32.
[11] Dahan, G., Lire la Bible au Moyen Âge, Genève, Droz, 2009.
[12] Poirel, D (dir.)., le théologico-politique au Moyen-Âge, Paris, Vrin, septembre 2020.
[13] Julie Barrau parle même d’ « arme politique ». Barrau, J., Bible, lettres et politique, l’écriture au service des hommes à l’époque de Thomas Becket, Paris, Classiques Garnier, 2023, p. 249-360.
[14] Voir notamment le questionnement de la notion de « genre » dans Michel, N., les miroirs aux princes aux frontières des genres (VIIIe-XVe siècles), Paris, Classiques Garnier, 2022.
[15] « The book of Kings: Nicholas of Lyra’s mirror of princes » in Philip D.W. Krey et Lesley Smith, Nicholas of Lyra. The senses of Scripture, Brill, Köln, 2000, p. 83-100.
[16] Scordia, L., « L’exégèse de Genèse 41 : Les sept vaches grasses et les sept vaches maigres : providence royale et taxation vertueuse (xnie-xive siècles) », Paris, revue des Etudes Augustiniennes, 46, 2000, p. 93-119.
[17] Notons également les développements de M. Senellart sur ce sujet, op. Cit, p. 103-107, 130. Voir aussi Scordia, L., « L’Exégèse au service de l’impôt royal. La postille du franciscain Nicolas de Lyre », Revue d’histoire de l’Église de France, 2003, 89/2, p. 309-323.
Informations pratiques :
Date / Heure Date(s) – 22/03/2025 Toute la journée
Between the thirteenth and the sixteenth centuries, the cult of the Virgin Mary underwent significant changes, a shift clearly revealed by an increase in artistic representations of Mary, as well as a flourishing devotional literature in her honour, written in both Latin and the vernacular. One aspect of this change was a broader attention to Mary’s genealogical line, and in particular to her relationship with St Anne. The result was not only a renewed focus on the vita Annae, but also a significant overlap in how these two women were represented, juxtaposed, and perceived.
This volume traces the often significant iconographic flexibility in terms of both how the Virgin Mary and Saint Anne were presented and perceived, and what can be termed a permeability between visual representations of the two saints. Focusing on the multiple readings, layers of meaning, and the visual interplay between the vita Mariae and the vita Annae, the chapters gathered here explore the overlap and influence between different iconographic motifs, and how these were used to advance political, religious, and social ideologies at the time of their creation, as well as exploring representations across a range of different media, from sculptures and frescoes to panel paintings, and manuscript illuminations.
Dr. Andrea-Bianka Znorovszky is a Marie Skłodowska-Curie COFUND Research Fellow (2022-2025) at the University of Salamanca, Spain. She has previously received a Marie Skłodowska-Curie Research Fellowship with Ca’ Foscari University, Venice (2018-2021), with a research project on Marian apocryphal representations in French hagiographic collections, and a Joint Excellence in Science and Humanities Research Fellowship from the Austrian Academy of Sciences, Vienna, Austria, in collaboration with Salzburg University (2018). She has earned her PhD in 2016, at the Central European University, Budapest, Hungary, with a dissertation on « Between Mary and Christ: Depicting Cross-Dressed Saints in the Middle Ages (c.1200-1600) ».
Table des matières :
List of Illustrations
List of Contributors
List of Abbreviations
Representations of the Virgin Mary and Saint Anne from the Middle Ages to the Early Modern Period: Iconographic Flexibility and Permeability Andrea-Bianka Znorovszky
1. The Panel of the Virgin and Saint Anne from the Church of the Archangels in Iprari: Iconographic and Ideological Aspects Nina Chichinadze
2.The Anna Selbdritt and the Cult of the Three Maries: An Early Fourteenth-Century Wall Painting in the Medieval Kingdom of Hungary Mihnea Alexandru Mihail
3. The Pregnancies of Mary-Anne in Fifteenth- to Sixteenth-Century Franco-Flemish Manuscript Illuminations: Between Iconographic Appropriation and Iconographic Development Andrea-Bianka Znorovszky
4.‘Worthy Vestment for the Sovereign Priest’: Matriarchal Priesthood, Marian Allegory, and the Amiens Confraternity of Notre-Dame de Puy Elliott D. Wise
5. In Mente Dei, in Gremio Annae: The Source and the Receptacle of Marian Immaculacy in Sixteenth-Century Piacenza Fiammetta Campagnoli
6. Moving with Saint Anne: Representations of Anna Selbdritt between Central Europe and the Tyrolean Region Stefanie Paulmichl
7. Images of Saint Anne in the Ionian Islands (Fifteenth – Eighteenth Centuries) Eirini Panou
8. Arbor Anna Fructuosa. Apropos of an Image of Saint Anne and the Fruits of Redemption Letícia Martins de Andrade
Conclusions Andrea-Bianka Znorovszky
Appendix 1: Saint Anne — Primary Sources
Appendix 2: Family Tree
Appendix 3: Map
Appendix 4: Short Timeline of Mariological Doctrines and Debates
Informations pratiques :
Representations of Saint Anne and the Virgin Mary from the Middle Ages to the Early Modern Period, éd. Andrea-Bianka Znorovszky, Turnhout, Brepols, 2024 ; 1 vol., 189 p. (Women of the Past, 3). ISBN : 978-2-503-60885-3. Prix : € 115,00.
Apprendre, no 2026 – 1 Date limite de remise des propositions : 10 février 2025
Apprend-on à devenir artiste ? Cette question, jamais résolue, traverse l’histoire de l’art contemporain (Douar et Waschek, 2004). En elle, des conceptions esthétiques, philosophiques, culturelles, peut-être même religieuses, se cristallisent et s’opposent. Du point de vue de la discipline de l’histoire de l’art cependant, la réponse ne peut être que positive, tant la production artistique est affaire d’héritages, de transmissions d’artiste à artiste, tantôt dans le quotidien de l’atelier ou le cénacle de l’école, tantôt dans l’ouverture diachronique de l’étude d’œuvres et d’artistes de tous horizons.
La prépondérance actuelle d’une organisation scolaire de l’éducation artistique, héritière d’un système instauré par les académies de l’Europe moderne, a consacré un type particulier de structure institutionnelle qui a fait l’objet des recherches les plus anciennes et les plus nombreuses (Pevsner, [1940] 1999 ; Belzer, Birnbaum, 2007 ; Poulot, Pire, Bonnet, 2010 ; Nerlich, Vratskidou, 2022). Pourtant, ce modèle n’est qu’un élément de la mosaïque complexe et changeante de l’histoire de l’enseignement artistique. Les recherches sur les façons dont l’art s’apprend et s’enseigne au cours de l’histoire et dans diverses régions du monde se sont multipliées ces dernières années. Ainsi, l’attention portée aux cadres théoriques et pratiques de l’apprentissage artistique, aux lieux où il se situe, aux relations sociales qu’il suscite, à la place qu’y occupe le rapport aux corpus de références puis à l’histoire de l’art et des formes ouvre la question bien au-delà du seul enseignement académique. Ce numéro entend examiner le renouvellement des études sur les manières de se former à l’art, de l’Antiquité à nos jours, en privilégiant une diversité d’aires géographiques et de cultures. Il s’inscrit dans une vaste actualité scientifique pluridisciplinaire, à laquelle contribuent notamment les sciences de l’éducation, les arts plastiques, l’histoire et la sociologie, l’ethnologie ou les humanités numériques.
Plusieurs bases de données ont ainsi vu le jour très récemment, au nombre desquelles « Transnational Slade, Phase I. Mapping the Diaspora of an Art School » (2013-2014) et « Phase II. Slade, London, Asia » (2019-2021), qui examinent la Slade School of Fine Art comme point nodal de transferts culturels. Le Dictionnaire des élèves architectes de l’École des beaux-arts de Paris (1800-1968) (Crosnier Leconte, 2015), base de données publiée en 2015, a été un précédent majeur, tout comme le programme « Histoire de la pédagogie de la création artistique (xixe-xxie siècles) » porté par l’École nationale des chartes depuis 2016. D’autres disciplines se penchent, elles aussi, sur cette question, comme en témoigne le projet « EnDansant – Enseigner la danse en France(xviie-xxie siècle) ». Des expositions ont également abordé cette thématique, comme « L’art d’apprendre. Une école des créateurs » (Pompidou Metz, 2022), « L’énigme autodidacte » (MAMC Saint-Étienne, 2021-2022) ou « Souvenirs de jeunesse. Entrer aux Beaux-arts de Paris, 1780-1980 » (Beaux-Arts de Paris, 2024-2025). On assiste donc à un moment historiographique particulièrement dynamique pour le sujet.
Qu’en est-il des transmissions qui ont lieu en dehors des écoles et académies les plus étudiées ? Dans quelle mesure les récentes enquêtes menées sur les académies de l’époque moderne (Perrin Khelissa, Roffidal, 2024), par exemple, ou sur l’histoire de l’enseignement de l’architecture aux xixe et xxe siècles (Châtelet, Diener, Dumont et al., 2022), peuvent-elles être transposées dans d’autres contextes culturels, notamment coloniaux ou postcoloniaux (Cavalcanti Simioni, 2008 ; Sanyal, 2013 ; Yu-Ta, 2017 ; Aliata, Gentile, 2022) ? Si l’on considère l’art comme une notion située historiquement, inventée en Europe à l’époque moderne, ne faut-il pas chercher plutôt du côté des études sur l’artisanat d’autres modèles de compréhension de l’apprentissage artistique dans la perspective d’une ouverture spatiale et chronologique de la question ?
L’ethnologie a depuis longtemps montré sa fécondité épistémologique en la matière (Chamoux, 2010 ; Doublier, 2017 ; Ingold, [2013] 2017 ; Joulian, Shimada, Takada et al., 2021). L’approche sociologique a elle aussi souvent semblé la plus adaptée pour étudier ce type de relations (Sennett, [2008] 2010 ; Menger, 2014 ; Vandenbunder, 2014 et 2015). Comment ces recherches affectent-elles les méthodes, les cadres de pensée de l’histoire de l’art ? La formation artistique occupe une place certaine dans le champ des sciences de l’éducation, surtout en ce qui concerne le milieu scolaire (Gaillot, [1997] 2012 ; Bonnéry, Deslyper, 2020 ; Espinassy, 2024). Comment ce domaine rencontre-t-il l’histoire de l’art, au-delà de la référence attendue au « learning by doing » de John Dewey (Dewey, [1916] 2016) et de ses effets au Black Mountain College (Duberman, 1973 ; Cometti, Giraud, 2014) ? Étudier l’enseignement et l’apprentissage est toujours un défi méthodologique, a fortiori lorsqu’il s’agit d’art : comment saisir ce qui se transmet ou s’acquiert par la fugacité du geste ou de la parole, se comprend par le toucher ou le regard, c’est-à-dire la part informelle de l’enseignement (Furrer, Gabri, Louveau et al., 2022 ; Meisel, 2022 ; Orlando, 2024) ? On cherchera ainsi à identifier les sources écrites et visuelles et les outils aujourd’hui à disposition des historiennes et des historiens de l’art : discours programmatiques, documents préparatoires, prises de notes, productions d’élèves ou encore témoignages rétrospectifs.
Examinée dans une perspective transhistorique et transnationale, l’évolution des méthodes et des structures de transmission de l’art accompagne de profonds changements dans la conception de la création elle-même, oscillant entre valorisation de la reproduction et encouragement à la nouveauté, apprentissage et désapprentissage. Ainsi les rapports entre art et artisanat, entre histoire et actualité ou encore la part de la technique et de l’originalité, la conception et l’usage de la culture, des références, du lien aux structures de production, ont, au fil du temps, cristallisé la plupart des évolutions et réformes successives dont la formation artistique a pu faire l’objet. Quel éclairage particulier les études sur la transmission apportent-elles aux connaissances sur les théories de l’art propres à chaque époque, à chaque culture ?
Apprendre est une activité politique et les lieux où l’on se forme – qu’il s’agisse de la famille, de l’atelier, de l’école ou de l’université –, comme la relation pédagogique, ont été et sont encore les terrains privilégiés de batailles idéologiques, pouvant s’exprimer dans des choix esthétiques ou techniques, dans des engagements militants… Comment l’histoire de l’art aborde-t-elle aujourd’hui la place du genre, du racisme, de l’orientation sexuelle et des origines sociales dans l’apprentissage artistique (Léon, 2020 ; Butt, 2022 ; Lagrange, Sotropa, 2022 ; Laks, Sassu Suarez Ferri, 2023 ; Provansal, 2023) ? De quelles façons l’exportation de modèles pédagogiques à l’échelle des empires coloniaux et du monde entier reflète-t-elle des enjeux géopolitiques autant qu’intellectuels ? Quelle est l’importance des relations de pouvoir et de domination dans l’apprentissage ?
Le numéro Apprendre se veut transhistorique et international dans ses terrains comme dans ses approches méthodologiques. Nous souhaitons y faire état des manières d’appréhender la diversité des modalités d’apprentissage et leur évolution, selon quatre axes :
1. Théories et pratiques de la transmission
Comment s’élaborent les cadres de la formation artistique ? Pensés en fonction des connaissances et des aptitudes à transmettre, ils reflètent également les représentations des pratiques et des métiers auxquels ils ouvrent, qu’il s’agisse de produire des mains et des esprits habiles ou de faire éclore le génie inventif. Considérer l’immersion dans un atelier où s’entremêlent production et formation permet de saisir les processus d’apprentissage par capillarité. Examiner la façon dont s’articulent apports didactiques, exercices et évaluations (cours, atelier, correction…) revient à tenter de caractériser les diverses pédagogies, en termes de modalités comme de contenus. Observer les espaces à partir desquels s’inventent de nouvelles formes et manières d’envisager la création permet d’évaluer les parts respectives d’adaptation, d’assimilation, de réinvention ou de rejet des canons. Leurs évolutions traduisent autant la conscience de routines que la volonté de changer de paradigmes (Bonnet, Lavie, Noirot, Rinuy, 2014), elles témoignent également de processus de transmission et d’hybridation d’une aire géographique à une autre, comme l’illustre le modèle de l’école des beaux-arts au xixe siècle (Aliata, Gentile, 2022 ; Nerlich, Vratskidou, 2022) ou celui du Bauhaus au xxe siècle (Kentgens-Craig, 1999). Elles reflètent aussi des processus d’interaction entre des sphères éducatives s’adressant à des publics différents (Enfert, 2003). Ainsi le recours à des théories pédagogiques diverses, incluant éventuellement des pédagogies initialement pensées pour les enfants, comme Freinet et Montessori, a-t-il fait évoluer la pratique de l’apprentissage et le rapport aux enseignantes et enseignants, leur autorité, leurs attentes. L’émergence de pratiques ouvertement alternatives à l’époque contemporaine s’appuie sur un vaste champ théorique : on peut se demander par exemple de quelle manière les pensées féministe et décoloniale ont infusé les pratiques pédagogiques (Freire, 1969 ; hooks, 1994 et 2010 ; Madoff, 2009) ?
2. Acteurs et actrices de l’apprentissage
Avec qui les artistes apprennent-ils ? Quels rôles tiennent les maîtres, les maîtresses, les parents, mais aussi les aînés, les camarades ? Si l’histoire de l’art a par le passé beaucoup valorisé la notion d’« école », autour d’un nom d’artiste, d’une ville ou d’un pays (Michel, 2012), ce modèle est aujourd’hui remis en cause, voire contesté, pour interroger d’abord la relation réciproque complexe entre maître et élève – la transmission n’excluant pas l’opposition ou le rejet. L’intérêt accordé désormais aux populations d’élèves (que reflète notamment la publication récente de la base de données Reg-Arts, fruit d’un partenariat entre les Beaux-Arts de Paris, l’INHA et le CNRS) témoigne du changement de regard intervenu sur leur rôle dans les formations. Au lieu de la reproduction d’un style local, on se demande maintenant, sous le prisme des transferts culturels, quelles places occupent les apprentis, les élèves étrangers ou issus de minorités, par exemple. Dans ces relations se tissent des interactions, inhérentes à la dynamique d’apprentissage, qui contribuent à construire des représentations collectives, un imaginaire, voire un « lien quasi tribal ou clanique » (Martinon, 2003). Les effets positifs de ce lien se mesurent jusque dans les filiations ou les écarts dont témoignent les élèves devenus maîtres à leur tour, ou dans la constitution de réseaux de solidarité, à l’échelle d’un territoire ou par-delà les frontières. Néanmoins, la question des violences sexistes ou sexuelles, des inégalités et des discriminations dans les enseignements et les relations entre élèves ne doit pas non plus être négligée. On privilégiera ainsi les recherches qui envisagent l’ensemble des agents de l’apprentissage comme autant d’éléments d’un écosystème en constante évolution, et les façons dont l’histoire de l’art a tantôt valorisé des qualités telles que l’originalité individuelle ou le talent, tantôt des pratiques souvent collectives et hiérarchisées. En contrepoint, on pourra s’interroger sur les manières dont sont considérés l’autodidaxie et les artistes ainsi formés.
3. Matérialités, lieux et temporalités de la formation
Quelles sont les conditions matérielles de l’apprentissage artistique ? Quels en sont les « lieux » au sens de Christian Jacob (lieux physiques, instruments, artefacts ; Jacob, 2011) ? Liés à des modes de transmission ou à des modalités pédagogiques précises, ces lieux se caractérisent par des dispositions spatiales qui régissent la répartition des acteurs et actrices, par un ensemble d’outils et d’objets qui, outre leur utilité, forment un décor donnant à saisir la réalité d’une vie quotidienne de création. L’environnement de la formation ne manque pas de ramifications ultérieures, telle la copie d’œuvre sur le terrain, dans les musées, ou encore les summer schools, entre autres voyages d’étude faisant écho aux pratiques anciennes du Grand Tour voire à l’itinérance des Compagnons effectuant leur Tour de France (Icher, 2007). Apparus plus récemment, les expositions d’atelier, les diplômes publics constituent aussi des moments d’accélération de l’apprentissage. On sera sensible aux propositions abordant ces rituels qui rythment la transmission dans toute leur diversité, depuis les pratiques de concours jusqu’aux fêtes carnavalesques (Conte, 2023). Ainsi, il semble utile d’envisager la complémentarité des lieux et des temporalités des formations. On s’intéressera enfin à l’exportation de modèles occidentaux de lieux éducatifs en contexte colonial, ou aux structures de formation à l’art dans les pays décolonisés.
4. L’histoire de l’art pour les artistes
Quel est le rôle de l’histoire de l’art dans l’apprentissage de la création ? Les jeunes artistes brandissent parfois un ensemble de modèles, un corpus de références dont elles et ils s’entourent comme d’une garde rapprochée et qui leur permet de se situer dans une histoire plus ou moins longue, d’identifier des filiations. Qu’est-ce qu’une histoire de l’art construite pour et par les artistes, quelle place pour l’histoire, l’émotion, dans ce qui apparaît tantôt comme un patrimoine culturel, tantôt comme une boîte à outils esthétique ? Par extension, l’existence de collections liées aux lieux de formation relève autant de l’artefact utile que de l’immersion dans un imaginaire. Ces collections, réunissant des copies d’antiques, des académies, des dons de chefs et cheffes d’atelier, des travaux d’élèves, œuvres remarquables desquelles s’inspirer et objets « talismans », représentent des creusets de connaissance, d’histoire, tout en permettant un rapport direct et sensible aux œuvres du passé. Constituées au gré des besoins par l’accumulation de matériaux utiles à la pratique dans l’atelier ou savamment sélectionnées par les écoles, à destination des élèves ou à partir de leurs travaux, ces collections constituent une source particulièrement riche pour la recherche (Joly-Parvex, 2021). En retour, on se demandera aussi comment les artistes jouent un rôle dans la formation à l’histoire de l’art, comment leurs pratiques, leurs thèmes et leurs débats affectent son enseignement et sa réception par les jeunes générations (McLean, 2011).
Publiée par l’Institut national d’histoire de l’art (INHA) depuis 2006, Perspective est une revue semestrielle dont l’ambition est d’exposer l’actualité de la recherche en histoire de l’art dans toute sa variété, contextualisée et consciente de son historicité. Elle témoigne des débats historiographiques de la discipline sans cesser de se confronter aux œuvres et aux images, d’en renouveler la lecture et de nourrir ainsi une réflexion intra- et interdisciplinaire, en favorisant les dialogues entre l’histoire de l’art et d’autres domaines de recherche, les sciences humaines notamment, mettant en acte le concept du « bon voisinage » d’Aby Warburg. Toutes les aires géographiques, toutes les périodes et tous les médiums sont susceptibles d’y figurer.
La revue publie des textes scientifiques offrant une perspective inédite autour d’un thème donné. Ses auteurs et autrices situent leur propos ; le recours à l’étude de cas doit permettre d’interroger la discipline, ses moyens, son histoire et ses limites. Ainsi, les propositions d’articles doivent nécessairement présenter une dimension méthodologique, fournir un apport épistémologique ou établir un bilan historiographique conséquent et original. En fonction du sujet abordé, de l’extension du corpus bibliographique, de l’aire géographique et de la période considérée, deux formats d’articles sont possibles : une contribution autour d’une question historiographique circonscrite, déployant une réflexion située et originale sur les enjeux, la méthodologie et l’approche adoptée (20/25 000 signes) ; un essai sur une question plus générale, sous la forme d’un bilan s’appuyant sur une bibliographie sélective et considérant les changements d’orientation, d’approches et de méthodologie survenus au moins au cours de la dernière décennie (40/45 000 signes, hors bibliographie).
Prière de faire parvenir vos propositions (un résumé de 2 000 à 3 000 signes, un titre provisoire, une courte bibliographie sur le sujet et une biographie de quelques lignes) à l’adresse de la rédaction (revue-perspective@inha.fr) au plus tard le 10 février 2025.
Perspective prenant en charge les traductions, les projets seront examinés par le comité de rédaction quelle que soit la langue.
Les auteurs ou autrices des propositions retenues seront informées de la décision du comité de rédaction en février 2025, tandis que les articles seront à remettre pour le 1er juin 2025. Les textes soumis (25 000 ou 45 000 signes selon le projet envisagé) seront définitivement acceptés à l’issue d’un processus anonyme d’évaluation par les pairs (double aveugle).
La sculpture portugaise de la fin du Moyen Âge et de la première modernité offre un terrain d’observation particulièrement favorable pour comprendre les mécaniques comme les chronologies des transferts culturels qui forgèrent le panorama artistique européen. Dans une perspective transnationale et non mediterrannéo-centrée, nous ambitionnons de réécrire les récits de l’histoire de l’art en prenant acte pour la première fois du rôle central et structurant des nombreux acteurs septentrionaux (hennuyers, picards, flamands, brabançons, normands…) au Portugal comme à Madère. Il s’agit pour cette journée d’étude de repenser à nouveaux frais les récits de la discipline en engageant d’abord un dialogue historiographique prolongeant les premières réflexions engagées il y a plusieurs décennies par Marcel Aubert en France ou Ignace Vandevivere en Belgique.
24 – 26 March 2025 Sala de Grados – Facultad de Geografía e Historia, Universidad de Salamanca Museo de Salamanca
Conference organizer: Andrea-Bianka Znorovszky, Universidad de Salamanca
Conference organizing committee: Ainoa Castro Correa, Iñaki Martín Viso, Universidad de Salamanca
Conference coordinator: Alejandro Pombo Rial, Universidad de Salamanca
“This project has received funding from the European Union’s Horizon 2020 research and innovation programme under the Marie Skłodowska-Curie grant agreement No 101034371.”
Programme :
Monday 24 March/Lunes 24 de marzo Sala de Grados, Facultad de Geografía e Historia, calle Cervantes, s./n.
10:00-11:30 Session 1.The Virgin Mary Chair: Andrea-Bianka Znorovszky
From Penha to Seixo: Medieval and Modern Marian Devotions in the Portuguese Beira Region – Maria do Carmo Raminhas Mendes, Universidade da Beira Interior
Iconic Crossings: Unveiling Religious Imagery in Mediterranean and Atlantic Colonization – Danai Thomaidis,Princeton University
A Failed Attempt to Create a Local Catholic Church in an Orthodox Country: The Importation of Catholic Iconographies, Saints and Marian Devotions in Ethiopia During the Jesuit Mission (1557-1632) – Mario Lozano Alonso, Universidad Eclesiástica San Dámaso
11:30 – 12:00 BREAK/DESCANSO
12:00 – 13:30 Session 2. Holy Queens and Princess(es) Chair: Isadora Martins Fontoura de Carvalho
Saint Elizabeth of Portugal, the Holy Queen: from Ibersaint to Global Saint – Giulia Rossi Vairo,Universidade Nova de Lisboa
“Vas admirabile, opus excelsi”: the Iconographies of St Elizabeth of Hungary in the Iberian Peninsula (13th-14th centuries) – María López-Monís Yuste, Universidad Complutense de Madrid
Between Royal Duty and Religious Devotion: Princess Joana of Portugal and the Dominican Convent of Aveiro – Kristin Hoefener, Center for the Study of the Sociology and Aesthetics of Music
Catarina de San Juan’s Portrait: Transpacific Journey and Visionary Experiences of an Enslaved Asian Woman in Seventeenth-Century Puebla – Sunghoon Lee,University of Wisconsin
From Riches to Rags: The Curious Life and Miracles of San Rosendo – Ildikó Csepregi, Universidade de Vigo
The Historiographic Circulation of the Traveller Saints to Paradise in Medieval Iberia – Israel Sanmartín Barros, Universidade de Santiago de Compostela
Santiago and the North – Transmission and Reception in the Twelfth-Century Nordic Sphere – Steffen Hope, Universitetet i Oslo
History, Synchronic Awareness and the Multifunctionality of ‘Vita Martini Sauriensis’ – José Manuel Simões, Universidade de Évora
The Early Image Cult and Delayed Sainthood of Raymond of Penyafort – Adrian Bremenkamp, Bibliotheca Hertziana – Max-Planck-Institut for Art History
“It is very true he has come from Saint Martin of Castañeda”. A Transdisciplinary Analysis about the Creation of Saint Giles of Casayo Myth (13th-17th Centuries) – Carlos Tejerizo García, Universidad de Salamanca, Gonzalo J. Escudero Manzano, Universidad Complutense de Madrid
17:00-18:00 Museo de Salamanca, Patio de Escuelas, 7
Topografía transferida y reimaginada. La sacralización de la naturaleza en el culto de las mujeres mártires en Galicia – Isadora Martins Fontoura de Carvalho, Universidade de Santiago de Compostela
Los santos y sus sucesores en Castilla a finales del siglo XII. Tres casos de estudio de santos putativos y sus sucesores pragmáticos (c. 1180 – 1210) – Kyle Lincoln, Southeastern Oklahoma State University
La santidad de los obispos en la Península Ibérica: ¿por qué era necesario el poder para alcanzar la gloria? – Tomás Bado Michel, Universidad de Salamanca
San Isidro Labrador en la Milán del siglo XVII. Reflexiones sobre Cerano y su taller – Emma Ferrari, Università Cattolica del Sacro Cuore
La reconstrucción del rey santo medieval Fernando III en la novela histórica y la prensa del siglo XIX español – Azucena Francina María Donkervoort, Universidade de Santiago de Compostela
18:00 Cultural visit: Museo de Salamanca, Salamanca
Wednesday 26 March/Miércoles 26 de marzo Sala de Grados, Facultad de Geografía e Historia, calle Cervantes, s./n.
Canonising the Early Friendship Circle – Rose Walker, Courtauld Institute of Art
Why Martyrs? The Prevalence of Martyred Saints in the Early Medieval Iberian Canon – Kati Ihnat, Radbound Universiteit
Saints and Blood: Saint Isidro, Saint María de la Cabeza and the Dismissal of Madrid’s Islamic Past – Ricardo Fernández González, Stockholms Universitet
11:30-12:00 BREAK/PAUSA
12:00 – 13:30 BOOK PRESENTATION /Presentación
Book: Andrea-Bianka Znorovszky (ed.) Representations of Saint Anne and the Virgin Mary from the Middle Ages to the Early Modern Period. Exploring Iconographic Flexibility and Permeability. Turnhout: Brepols Publishers, 2025.
In-presence: Andrea-Bianka Znorovszky, Universidad de Salamanca
Online: Nina Chichinadze, Ilia State University
Mihnea Alexandru Mihail, Universitatea Naţională de Arte Bucureşti
Elliott D. Wise, Brigham Young University
Fiammetta Campagnoli, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
Stefanie Paulmichl, Università di Trento
Letícia Martins de Andrade, Universidade Federal de São João del-Rei
Rosie Bonté, Brepols Publishers
13:30 – 13:45 CLOSING REMARKS / Conclusiones
14:00 – 14:30 Cultural visit: Biblioteca General Histórica, Universidad de Salamanca
The Council of the Church Monuments Society offers a biennial prize of £500 called the Church Monuments Essay Prize, to be awarded with a certificate for the best essay submitted in the relevant year. The prize will only be awarded if the essay is considered by the judges to be of sufficiently high standard to merit publication in the peer-reviewed journal Church Monuments. Entries in addition to the winner may be considered for publication.
The competition is open only to those who have not previously published an article in Church Monuments. Entrants need not be members of the Church Monuments Society, but are recommended to familiarise themselves with Church Monuments: abstracts and indexes can be found on the website https://churchmonumentssociety.org.
The focus of the essay must be a monument/s in a church, churchyard or cemetery, of any period and location. Entries must be submitted in English.
The length (including notes) should be between 6,000 and 10,000 words, with a maximum of 10 illustrations.
The closing date for new entries is 31 January 2025.
Please contact the Hon. Journal Editor for a copy of the rules and the guidelines to contributors and/or for advice on the suitability of a particular topic.
La tapisserie conservée au Château d’Angers est la plus ancienne et la plus grande tapisserie historiée conservée au monde. Cette œuvre monumentale illustre le dernier livre de la Bible, l’Apocalypse, un livre dont les lectures et les usages ont été pluriels au Moyen Âge. De fait, loin des grands mouvements de peurs populaires auxquels elle a pu être associée dans l’historiographie, l’Apocalypse nourrit, au Moyen Âge, des productions écrites eticonographiques érudites, émanant de milieux savants.
La tapisserie d’Angers fut commandée par un prince laïc, le duc Louis Ier d’Anjou (1339-1384), et était probablement destinée à être exposée lors de cérémonies publiques, bien que les circonstances exactes de cette exposition restent incertaines (cathédrale ? autres lieux ?). D’après l’hypothèse de certains chercheurs comme Laurent Hablot (EPHE, PSL Université), la tapisserie constituerait « un véritable théâtre médiéval » : disposées en plein air, ses pièces pourraient avoir été présentées sur des estrades éphémères et animées par un lecteur qui en déclamait le texte faisant ainsi vivre les scènes de l’Apocalypse. D’autres tapisseries comme celles de la Chaise-Dieu pourraient avoir été exposées d’une manière comparable.
Comment comprendre une telle commande ? Faut-il envisager que le message de l’Apocalypse résonnait de manière particulière pour son commanditaire et le public auquel il était destiné ?
La tapisserie a été achevée vers 1380/82, en pleine guerre de Cent Ans ; elle affirme sans nul doute les prétentions politiques de Louis Ier d’Anjou : deuxième fils du roi de France Jean II le Bon, frère du roi Charles V (1338-1380), Louis Ier obtient le titre de régent du royaume en 1380 et devient, peu de temps avant de mourir, roi de Naples, Sicile et Jérusalem. L’utilisationpolitique et idéologique de l’Apocalypse pour exalter les figures royales ou impériales est ancienne : Charlemagne, les empereurs byzantins ou ottoniens ont fait copier et peindre des Apocalypses enluminées et représenter certaines scènes des visions de Jean sur des lieux de pouvoir comme le plafond du palais d’Aix-la-Chapelle. Il ne faudrait pas pour autant sous-estimer la dimension religieuse de telles commandes : dans des sociétés dans lesquelles l’autonomie du fait religieux n’existe pas, choisir de mettre en scène(s) l’Apocalypse n’a pas qu’une forme d’instrumentalisation politique. Il s’agit bien d’un discours qui mêle étroitement croyance et vision du pouvoir et permet de questionner la responsabilité des souverains dans l’accession au salut du peuple dont ils ont la charge.Le projet de recherche « Mettre en scène l’Apocalypse » a été conçu en deux temps – un workshop au printemps 2025 suivi d’un colloque à l’été 2026 – avec pour objectif de remettre à plat nos connaissances sur la tapisserie de l’Apocalypse d’Angers et de proposer une étude globale et renouvelée de l’œuvre et de ses fonctions. En mobilisant des spécialistes issus dedifférents champs de recherche ayant travaillé sur d’autres objets ou d’autresthématiques, il s’agira d’analyser à nouveaux frais et collectivement les fonctions de cet objet et du discours dont il fut le support. À cet égard, toutes les propositions de comparaisons sontbienvenues.
Le workshop qui constitue le premier volet du projet aura lieu à Angers sera précédé d’une visite de la tapisserie. La journée sera organisée en trois sessions correspondants aux trois axes de réflexion suivants pour lesquels nous proposons quelques pistes d’interrogation,sans exhaustivité :
o Une approche matérielle et artistique : certaines des sources probables d’inspiration de l’artiste, Jean de Bruges, un peintre flamand, ont été identifiées ; parmi elles figurent le manuscrit Paris, BnF français 403, une des Apocalypses anglo-normandes, œuvre commandée vers 1250 par Charles V, le frère de Louis d’Anjou, ou encore le Cambrai (BM, 0422 (0397 bis)). Qu’en est-il des autres supports monumentaux ? Comment situer la tapisserie dans une histoire du gothique international ? Plus largement, dans quelle mesure le choix du support de la tapisserie entre-t-il en rupture ou marque-t-il au contraire une forme de continuité avec les précédentes productions iconographiques consacrées à l’Apocalypse ? Quelles techniques, quelles méthodes de tissage ont été utilisées et peut-être adaptées pour déployer une œuvre aussi monumentale ?
o Une approche politique, institutionnelle de la commande : Par son sang royal, Louis Ier d’Anjou a donné une renommée incontestable à son duché tout en s’engageant sans relâche dans les affaires du royaume. Dans le champ artistique, le château de Saumur, la tapisserie de l’Apocalypse ou quelques pièces de son imposante collection d’orfèvrerie donnent la mesure du cadre dans lequel évoluait ce prince. Dans les années 1360, Louis Ier d’Anjou possédait déjà plus de 70 tapisseries, collection qu’il a très certainement continué à enrichir jusqu’à envisager dans les années 1380 ce projet fou d’un « beau tapis » de 850 m2 qui viendrait mettre en images le livre de l’Apocalypse alors que jusque-là les thèmes retenus étaient éclectiques et pas systématiquement religieux (histoire, mythologie, fabliaux, romans héroïques…). À sa suite, son frère Philippe de Bourgogne en commanda une identique, mais l’inventaire des tapisseries dressé à sa mort en 1404 montre qu’elle était moins grande (environ 580 m2). Un fragment conservé dans les réserves au château d’Angers dit fragment de Goult traitant également de l’Apocalypse pourrait avoir appartenu à une tapisserie que possédait Jean de Berry. Pour ces grands seigneurs, comment l’art au sens très large du terme s’articule-t-il, nourrit-il, soutient-il les ambitions/projets/desseins politiques ? Comment opèrent- ils leurs choix en la matière ? Comparativement à ses frères, Louis Ier d’Anjou n’a pas fait l’objet de travaux de synthèse et encore moins d’une biographie ; cette remise en perspective globale pourrait contribuer à combler des pans de ce vide historiographique.
o Une approche littéraire, théologique et exégétique de l’œuvre : quelle est la part de la tradition exégétique dans la tapisserie ? Les Apocalypses enluminées et les commentaires enluminés médiévaux montrent que l’intégration du discours exégétique dans les images par les artistes était courante. Qu’en est-il pour la tapisserie ? D’autres sources textuelles ont-elles inspiré Jean de Bruges ? L’Apocalypse était lue au Moyen Âge comme une révélation sur l’histoire de l’Église au double sens d’institution ecclésiale et de communauté des fidèles et comme une invitation à faire pénitence sans attendre. Ces différentes dimensions apparaissent-elles dans la tapisserie ?
Pour respecter le format workshop, les communications ne devront pas dépasser 15 minutesmaximum. Il s’agira lors de cette première rencontre de proposer individuellement despistes de recherche pour engager une discussion collective. Le colloque de l’été 2026 permettra de présenter les résultats obtenus à la suite du workshop.
Les propositions (titre, résumé de 10/15 lignes) devront être adressées à Gaelle Bosseman (gaelle.bosseman@univ-rennes2.fr) et/ou à Isabelle Mathieu (isabelle.mathieu@univ-angers.fr) avant le 1er février 2025.
Les communications pourront être présentées en français ou en anglais avec une possibilité de participer en hybride. Nous vous remercions de nous indiquer, le cas échéant, si vous pouvez bénéficier d’une aide de votre laboratoire pour participer à cette journée.
English version
The tapestry in the Château d’Angers is the oldest and largest historiated tapestry in the world. This monumental work illustrates the last book of the Bible, the Apocalypse, a book that was read and used in many different ways in the Middle Ages. In fact, far from the great movements of popular fear with which it was associated in historiography, in the Middle Ages the Apocalypse was the subject of erudite written and iconographic productions emanating from learned circles.
The Angers tapestry was commissioned by a lay prince, Duke Louis I of Anjou (1339-1384), and was probably intended to be exhibited at public ceremonies, although the exact circumstances of this exhibition remain uncertain (cathedral? other places?). According to the hypothesis of certain researchers such as Laurent Hablot (EPHE, PSL Université), the tapestry constituted ‘a veritable medieval theatre’: laid out in the open air, its pieces could have been presented on ephemeral platforms and animated by a reader who recited the text, thus bringing to life the scenes from the Apocalypse. Other tapestries, such as those at La Chaise-Dieu, could have been displayed in a similar way.
How are we to understand such a commission? Should we assume that the message of the Apocalypse resonated in a particular way for its commissioner and the public for whom it was intended?
The tapestry was completed around 1380/82, at the height of the Hundred Years’ War; it undoubtedly asserts the political claims of Louis I of Anjou: second son of King John II the Good of France and brother of King Charles V (1338-1380), Louis I obtained the title of regent of the kingdom in 1380 and, shortly before his death, became King of Naples, Sicily and Jerusalem. The political and ideological use of the Apocalypse to exalt royal or imperial figures goes back a long way: Charlemagne and the Byzantine and Ottonian emperors had illuminated Apocalypses copied and painted, and depicted certain scenes from John’s visions on places of power such as the ceiling of the palace at Aachen. However, the religious dimension of such commissions should not be underestimated: in societies where religion is not autonomous, choosing to stage the Apocalypse(s) is not just a form of political instrumentalisation. It was a discourse that closely intertwined belief and a vision of power, and allowed us to question the responsibility of sovereigns in achieving the salvation of the people in their charge.
The ‘Mettre en scène l’Apocalypse’ research project has been conceived in two phases – a workshop in spring 2025 followed by a colloquium in summer 2026 – with the aim of reviewing our knowledge of the Angers Apocalypse tapestry and proposing a comprehensive and renewed study of the work and its functions. By bringing together specialists from different fields of research who have worked on other objects or other themes, the aim is to analyse the functions of this object and the discourse it was used to support in a fresh and collective way.
In this respect, all proposals for comparisons are welcome.
The workshop, which is the first part of the project, will take place in Angers and will be receded by a visit to the tapestry. The day will be organised into three sessions corresponding to the following three lines of enquiry, for which we propose a number of non-exhaustive directions:
o A material and artistic approach: some of the probable sources of inspiration for the artist, Jean de Bruges, a Flemish painter, have been identified; these include the manuscript Paris, BnF français 403, one of the Anglo-Norman Apocalypses, a work commissioned around 1250 byCharles V, the brother of Louis d’Anjou, and the Cambrai (BM, 0422 (0397 bis)). What about other monumental supports? How can we situate the tapestry in the history of international Gothic? More broadly, to what extent does the choice of medium for the tapestry represent a break with or, on the contrary, a form of continuity with previous iconographic productions devoted to the Apocalypse? What techniques and weaving methods were used, and perhaps adapted, to create such a monumental work?
o A political and institutional approach to the commission: By virtue of his royal blood, Louis I d’Anjou gave his duchy an undisputed reputation, while at the same time being relentlessly involved in the affairs of the kingdom. In the field of art, the Château de Saumur, the tapestry of the Apocalypse and a few pieces from his imposing gold and silverware collection give an idea of the context in which this prince lived. In the 1360s, Louis I d’Anjou already owned more than 70 tapestries, a collection that he undoubtedly continued to enrich until, in the 1380s, he envisaged the crazy project of a ‘beautiful carpet’ measuring 850 m2 that would depict the Book of Revelation, whereas until then the themes chosen had been eclectic and not systematically religious (history, mythology, fabliaux, heroic romances…). Following in his footsteps, his brother Philippe of Burgundy commissioned an identical tapestry, but the inventory of tapestries drawn up on his death in 1404 shows that it was smaller (around 580 m2). A fragment also depicting the Apocalypse, known as the Goult fragment, which is kept in the reserves at the Château d’Angers, may have belonged to a tapestry owned by Jean de Berry. For these great lords, how did art, in the broadest sense of the term, relate to, nurture and support their political ambitions/projects/goals? How did they make their choices in this area? Compared with his brothers, Louis I d’Anjou has not been the subject of any comprehensive studies, let alone a biography; this overview could help to fill in some of this historiographical gap.
o A literary, theological and exegetical approach to the work: what part does the exegetical tradition play in tapestry? The illuminated Apocalypses and medieval illuminated commentaries show that the integration of exegetical discourse into images by artists was commonplace. What about tapestry? Did Jean de Bruges draw inspiration from other textual sources? In the Middle Ages, the Apocalypse was read as a revelation about the history of the Church in the dual sense of ecclesial institution and community of the faithful, and as an invitation to do penance without delay. Do these different dimensions appear in the tapestry?
In keeping with the workshop format, papers should not exceed 15 minutes. The aim of this first meeting will be to propose individual lines of research for collective discussion. The results of the workshop will be presented at the conference in summer 2026.
Proposals (title, 10/15 line summary) should be sent to Gaelle Bosseman (gaelle.bosseman@univ-rennes2.fr) and/or Isabelle Mathieu (isabelle.mathieu@univ-angers.fr) before 1 February 2025. Papers may be presented in French or English, with the possibility of participating in a hybrid format.
We would be grateful if you could let us know if your research unit could help you to take part in this event.
Avec le soutien du FNRS, du CRHiDI (UCLouvain – Saint-Louis, Bruxelles), d'INCAL (UCLouvain), de PraME (UNamur), de sociAMM (ULB) et de Transitions (ULiège)
L'Agenda des Médiévistes 
Vous devez être connecté pour poster un commentaire.